O ator Burt Lancaster morre

O ator Burt Lancaster morre

Em 20 de outubro de 1994, Burt Lancaster, um ex-artista de circo que alcançou a fama como protagonista de Hollywood, com cerca de 70 filmes em seu currículo, incluindo Daqui até a eternidade e Cidade atlântica, em uma carreira que durou mais de quatro décadas, morre de ataque cardíaco aos 80 anos em Century City, Califórnia.

Lancaster nasceu em 2 de novembro de 1913 na cidade de Nova York e foi criado no East Harlem. Depois de um período na Universidade de Nova York, que frequentou com uma bolsa de estudos para atletas, ele se demitiu para ingressar no circo, onde trabalhou como acrobata. Uma lesão forçou Lancaster a desistir do circo em 1939, e ele trabalhou em uma série de empregos até ser convocado para o Exército em 1942. Três anos depois, durante uma licença, a carreira de ator de Lancaster foi lançada depois que ele foi visitar a mulher que se tornaria sua segunda esposa no escritório onde trabalhava e foi convidada por um assistente de produtor para fazer um teste para uma peça da Broadway. Ele conseguiu o papel, como sargento do Exército, e logo foi notado por Hollywood. Em 1946, Lancaster fez sua estreia na tela de cinema ao lado de Ava Gardner em Os matadores, baseado em um conto de Ernest Hemingway. Lancaster estrela como o sueco, um ex-boxeador que está envolvido com a multidão e esperando para ser assassinado por pistoleiros.

Ele passou a estrelar no filme biográfico de 1951 Jim Thorpe: All-American, sobre o Olimpo Nativo Americano, e 1952 O Pirata Carmesim, no qual ele colocou suas habilidades acrobáticas para usar como o personagem-título fanfarrão. Em 1953, ele co-estrelou com Deborah Kerr e Frank Sinatra em Daqui até a eternidade, um filme da Segunda Guerra Mundial ambientado no Havaí, pouco antes do ataque a Pearl Harbor. O filme, que continha a cena agora icônica em que Lancaster e Kerr estão presos em um abraço à beira-mar enquanto as ondas rolam sobre eles, rendeu a Lancaster sua primeira indicação ao Oscar de Melhor Ator. Entre os outros créditos do filme de Lancaster durante os anos 1950 estavam Apache (1954), no qual ele interpreta um guerreiro nativo americano; Doce cheiro de sucesso (1957), no qual ele interpreta um colunista de fofocas implacável; e Tiroteio no O.K. Curral (1957), no qual ele retrata Wyatt Earp para Doc Holliday de Kirk Douglas.

Durante as décadas de 1960 e 1970, Lancaster apareceu em filmes como 1960 Elmer Gantry, que lhe rendeu o Oscar de Melhor Ator por sua atuação como vigarista que se tornou pregador; 1961 Julgamento em Nuremberg, sobre os julgamentos de crimes de guerra nazistas na Segunda Guerra Mundial; 1962 Birdman of Alcatraz, que foi baseado na história real de um assassino condenado que se torna um especialista em pássaros enquanto está atrás das grades e rendeu a Lancaster outra indicação ao Oscar de Melhor Ator; O drama histórico de 1963 do diretor italiano Luchino Visconti O leopardo, em que Lancaster interpreta um aristocrata envelhecido; 1968 O nadador, baseado na história de John Cheever; o filme de desastre de 1970 Aeroporto; e 1979 Zulu Dawn, com Peter O’Toole e Bob Hoskins.

Em 1980, Lancaster co-estrelou o filme do diretor Louis Malle Cidade atlântica e sua atuação como um gângster idoso rendeu-lhe a quarta indicação ao Oscar de Melhor Ator. Ele também apareceu em Heroi local (1983), no qual interpreta um excêntrico dono de uma empresa de petróleo; e 1989 Campo dos sonhos, estrelado por Kevin Costner. Lancaster formou uma produtora com seu agente, Harold Hecht, na década de 1950, tornando-se um dos primeiros atores em Hollywood a fazê-lo. Entre seus créditos de produção estavam 1955 Marty, que ganhou o Oscar de Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Roteiro e Melhor Ator (Ernest Borgnine).


Coisas que aprendemos sobre Burt Reynolds somente após sua morte

Burt Reynolds - o ator icônico que nos deslumbrou com seu sorriso charmoso, bigode espesso característico e peito ainda mais peludo - morreu em 6 de setembro de 2018 aos 82 anos. Embora tivesse enfrentado problemas de saúde, sua sobrinha, Nancy Lee Hess , contado Us Weekly que sua morte foi "totalmente inesperada". TMZ mais tarde confirmou que a lendária estrela faleceu em um hospital da Flórida após sofrer um ataque cardíaco. Relembrar a vida do premiado ator significa comemorar suas décadas de contribuições para a indústria do entretenimento, incluindo seus memoráveis ​​papéis em Smokey e o bandido, Boogie Nights, e O Jardim mais comprido.

Reynolds trabalhou ao lado de inúmeras estrelas e partiu muitos corações ao longo do caminho, incluindo quando seu casamento com WKRP em Cincinnati a estrela Loni Anderson terminou quando se apaixonou por uma garçonete chamada Pam Seals, por ABC noticias. Foram seus relacionamentos fracassados ​​(e caros) que bombardearam as manchetes durante seu apogeu e, após sua morte, ainda mais informações foram reveladas sobre a vida pessoal do ator - chá que provou ser tão fascinante quanto algumas de suas performances na tela.

Aqui está o que aprendemos sobre Burt Reynolds somente após sua morte.


Idade, altura e medidas

Burt Lancaster morreu em 20 de outubro de 1994 (80 anos). Ele nasceu sob o horóscopo Escorpião como a data de nascimento de Burt é 2 de novembro. Burt Lancaster altura 7 pés 0 polegadas (aprox.) E peso 113 libras (51,2 kg) (aprox.). No momento, não sabemos sobre as medidas corporais. Vamos atualizar neste artigo.

Altura5 pés 1 polegada (aprox)
Peso144 lbs (65,3 kg) (Aprox)
Medidas do corpo
Cor dos olhosMarrom escuro
Cor de cabeloPreto
Tamanho do vestidoXL
Tamanho de sapato6,5 (EUA), 5,5 (Reino Unido), 39,5 (UE), 25 (CM)

Kirk Douglas, uma das últimas estrelas sobreviventes da idade de ouro de Hollywood, morre aos 103

O icônico ator deixou talvez sua marca mais indelével no cinema ao defender os que estavam na lista negra da Era McCarthy com “Spartacus” em 1960.

Oliver Jones

AFP / Getty

Kirk Douglas gostava de uma boa luta. “Ele briga com a esposa, briga com a empregada, briga com a cozinheira”, disse certa vez Burt Lancaster, seu falecido costar, amigo e companheiro de corrida. "Deus sabe, ele lutou comigo."

Não é surpresa, então, que Douglas, que morreu na quarta-feira, quase duas décadas depois de sofrer um derrame em 1996 que o deixou com a fala prejudicada, lutou até o fim. O ator, um dos poucos cuja personalidade descomunal apareceu tanto na vida real quanto na tela grande e um dos últimos fios que nos conectam à fábrica dos sonhos da Idade de Ouro de Hollywood, tinha 103 anos de idade.

“É com grande tristeza que meus irmãos e eu anunciamos que Kirk Douglas nos deixou hoje com 103 anos de idade”, disse Michael Douglas em um comunicado. “Para o mundo, ele era uma lenda, um ator da época de ouro do cinema que viveu até seus anos dourados, um humanitário cujo compromisso com a justiça e as causas em que acreditava estabeleceram um padrão a que todos nós aspiramos.”

“Mas para mim e meus irmãos Joel e Peter ele era simplesmente papai, para Catherine, um sogro maravilhoso, para seus netos e bisneto, seu avô amoroso, e para sua esposa Anne, um marido maravilhoso”, escreveu Michael Douglas .

“Permitam-me terminar com as palavras que lhe disse no seu último aniversário e que permanecerão sempre verdadeiras. Pai- Eu te amo muito e estou muito orgulhoso de ser seu filho. ”

Embora tenha sofrido um derrame e tenha lutado corajosamente e publicamente contra ele pode ter suavizado a imagem de Douglas consideravelmente ("Sinceramente, [ele é] uma pessoa muito melhor", é como seu famoso filho Michael disse), Douglas manteve a reputação de um dos figuras mais polêmicas na história de Hollywood. Não importava o oponente, ele era um lutador quase constante, lutando por tudo o que pensava ser certo, o melhor ou apenas o mais representativo de seu eu genuíno.

“Sinto-me atraído e fascinado por como é difícil ser um indivíduo”, disse ele a Roger Ebert em 1969. “A coisa de ser uma suposta estrela de cinema funciona contra você. Claro, você sempre pode fazer fotos emocionantes, fotos de aventura, mas quando você tenta algo diferente, eles descartam você porque você é uma estrela. E ainda assim, esse tema do indivíduo, lutando contra a sociedade - sempre me obcecou. ”

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& quot O ator americano Michael Douglas (L) beija seu pai, o ator norte-americano Kirk Douglas (C) ao lado do ator Burt Lancaster (R) durante a 57ª edição do Oscar, em 25 de março de 1985, em Hollywood, Califórnia. AFP PHOTO ROB BOREN (o crédito da foto deve ser ROB BOREN / AFP / Getty Images) & quot

ROB BOREN

Como Michael, o mais velho dos quatro filhos de Douglas, disse Vanity Fair em 2010, “Ele era um sobrevivente muito intenso e talentoso. Ele estava consumido em arranhar e fazer algo de si mesmo ... "

Muitos - principalmente o próprio Douglas - traçaram essa intensidade de volta à sua infância - o ator usou sua história de vida semelhante à de Horatio Alger como base de muitos de seus 11 livros, incluindo sua autobiografia best-seller de 1988, O filho do Ragman.

Nascido Issur Danielovich em Amsterdã, Nova York, Douglas foi Izzy Dempsky antes de inventar seu nome quando se mudou para a cidade de Nova York. (Douglas era a favor de Douglas Fairbanks e Kirk era apenas porque “parecia elegante”.) Seus pais eram judeus russos analfabetos que haviam escapado dos comunistas para a Ilha Ellis. Douglas e suas seis irmãs cresceram falando iídiche. É seguro dizer que poucos atores ficaram mais empobrecidos.

“As pessoas muitas vezes se tornam atores porque é uma forma de fuga do mundo real”, disse Douglas. “E eu tinha muito para escapar, acredite em mim. Foi uma luta infernal e houve momentos em que não sabíamos quando viria a próxima refeição. " Ele encontrou sua vocação aos 5 anos quando leu um poema na frente dos pais de sua classe da primeira série e ficou extasiado com os aplausos. “Um ator nasceu”, disse ele.

Depois do colegial, Douglas conseguiu entrar na St. Lawrence University, onde atuou, foi uma estrela do time de wrestling e trabalhou como zelador. Após a faculdade, ele deu uma doce bolsa de estudos da American Academy of Dramatic Arts em Nova York. Lá ele namorou Betty Pepske e sua futura primeira esposa Diana Dill. Betty acabaria mudando seu nome para Lauren Bacall e recomendaria sua antiga paixão a Hal Wallis da Paramount para um teste de tela.

Douglas atingiu Hollywood como um morcego fora do inferno. Quando alguém no estúdio queria que ele consertasse a covinha de seu queixo, sua marca registrada, ele enlouqueceu: "Se você não gosta do buraco no meu queixo, estou voltando para a Broadway!" Em uma luta pelo controle que marcaria toda a sua carreira, ele quebrou seu contrato de cinco filmes com a Paramount após sua estréia em 1946 ao lado de Barbara Stanwyck em O estranho amor de Martha Ivers.

Em 1947, ele iniciou sua parceria de longa data com Burt Lancaster com Eu ando sozinho. Foi a combinação perfeita - o Matt e Ben da época, a colunista de fofocas Sheilah Graham os apelidou de "Os gêmeos de temperamento terrível". Lancaster disse anos depois: “Éramos ambos jovens, impetuosos e arrogantes. Nós sabíamos de tudo. Ninguém gostou de nós. ” (Eles não gostavam mais de Douglas: a Photoplay o considerou o homem mais odiado de Hollywood por vários anos consecutivos.)

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& quot Os atores norte-americanos Kirk Douglas (L) e Martin Sheen (R) são fotografados durante o 32º Festival Internacional de Cinema de Cannes, em 14 de maio de 1979. AFP FOTO RALPH GATTI / AFP / RALPH GATTI (O crédito da foto deve ser RALPH GATTI / AFP / Getty Images ) & quot

RALPH GATTI

Quando ele recebeu sua primeira indicação ao Oscar - apropriadamente, foi por interpretar um pugilista no campeão de 1949 - o pai de dois filhos se divorciou de Diana e desenvolveu uma reputação épica como mulherengo. Ele namorou, entre outros, Rhonda Fleming, Evelyn Keyes, Ava Gardner, Gene Tierney, Rita Heyworth, Joan Crawford, Marlena Dietrich e Pier Angeli, de quem esteve brevemente noivo.

Foi uma contagem impressionante o suficiente para que a reputação o perseguisse por toda a vida, apesar do fato de que ele se casou com Anne Buydens em Vegas em 1957 e eles permaneceram devotados um ao outro até sua morte. “Sim, para um cara que você chama de mulherengo, estou casado há 57 anos”, disse ele em 2011. “E ainda escrevo poesia de amor para ela. Escrevi vários poemas para ela. Em um, eu disse, ‘Romance começa aos 80’ ”.

Com Stanley Kubrick's Spartacus em 1960, Douglas deixaria talvez sua marca mais indelével no cinema, tanto como ator quanto como produtor, que insistia que o roteirista Dalton Trumbo fosse devidamente creditado por seu roteiro.

“Foi uma época terrível na história de Hollywood”, disse ele a Interview. "Isso nunca deveria ter acontecido. Devíamos ter lutado contra isso. Mas acabou e eu, na minha velhice, me consolo no fato de que me lembro. ” (Alguns afirmam que Douglas, que publicou I Am Spartacus !: Fazendo um filme, quebrando a lista negra em 2012 pode ter exagerado seu papel em quebrar a lista negra.)


Dos arquivos: o vencedor do Oscar Burt Lancaster morre aos 80 anos

Burt Lancaster, o artista, produtor, ginasta e iconoclasta - que desde o início sempre foi uma estrela - morreu, anunciou sua esposa na sexta-feira.

O vencedor do Oscar de 80 anos e ex-atleta de topo estava com a saúde debilitada desde que sofreu um derrame, quase quatro anos atrás. Ele morreu na noite de quinta-feira de um ataque cardíaco em seu condomínio em Century City, disse Susan Lancaster, acrescentando que não haverá funeral e que o enterro será privado.

Lancaster estava em relativo reclusão desde que foi hospitalizado em Los Alamitos em novembro de 1990. Ele sofreu o derrame enquanto visitava um amigo em Orange County e recentemente recusou visitantes, mesmo velhos amigos como Kirk Douglas.

O derrame provou ser o último de uma série de doenças físicas que se abateram sobre a viril e versátil estrela de mais de 70 filmes.

Em 1983 ele foi submetido a uma cirurgia de revascularização do miocárdio e continuou a sofrer de problemas cardíacos.

Mesmo tendo filmado “Pequeno Tesouro” seis meses após a cirurgia e continuado a trabalhar constantemente no cinema e na televisão, Lancaster foi negado o papel-título em “Velho Gringo” em 1988 por causa de sua saúde. A Columbia Pictures decidiu que o seguro para ele seria muito caro e, em vez disso, escolheu Gregory Peck.

Mas Lancaster se recuperou desse revés para dar uma performance anunciada em "Field of Dreams" em 1989, interpretando Moonlight Graham, um ex-jogador de beisebol que teve um breve contato com a glória atlética antes de se tornar um médico.

Com esse papel, como com dezenas de outros ao longo de sua longa carreira de ator, era como se Lancaster tivesse nascido para o trabalho que escolhera.

Alguns atores lutam para ascender através de papéis menores até chegarem ao segundo lugar ao status de estrela, outros citam uma preparação acadêmica, começando com cursos universitários de teatro e progredindo através do Actors Studio e estoque de verão para aclamação profissional.

Lancaster não fez cursos e não interpretou segundas pistas, mas foi uma estrela de boa-fé desde sua primeira aparição nas telas em 1946 até alguns anos antes de sua morte.

Às vezes, as realizações de sua carreira pareciam quase numerosas demais para serem reais, muito menos lembradas.

O Oscar que ele ganhou por “Elmer Gantry” em 1960 e o prêmio do Festival de Cinema de Veneza que recebeu dois anos depois por “O Homem-Pássaro de Alcatraz” foram lembrados. Mas muitos se esqueceram do Oscar anterior que ele dividiu com Harold Hecht como co-produtor de “Marty”, eleito o melhor filme de 1955.

O trabalho de Lancaster em grandes produções dramáticas como "Come Back, Little Sheba", "From Here to Eternity", "Judgment at Nuremberg", "The Rainmaker", "Seven Days in May" e "Atlantic City" tendeu a ofuscar seu trabalho em filmes como “Trapézio”, “A Chama e a Flecha” e “O Pirata Carmesim”, que mostraram o lado mais leve de sua natureza.

Notificado da morte de Lancaster, Kirk Douglas disse que seu relacionamento de 50 anos foi precioso. Douglas disse que depois de sobreviver a um acidente de helicóptero alguns anos atrás, ele percebeu "o quão importante a vida e os amigos realmente eram".

“Burt não era apenas um ator”, acrescentou Douglas. “Ele era um intelectual curioso com um amor permanente pela ópera que estava constantemente em busca de personagens únicos para retratar. . . . Elmer Gantry. . . o Homem-Pássaro de Alcatraz. ”

Relembrando os filmes que ele e Lancaster fizeram juntos e as dezenas de outras fotos que apresentavam o falante que já foi um andarilho e vendedor, Douglas disse:

“Sabe, Burt não está realmente morto. . . . As pessoas daqui a anos ainda verão a gente atirando um no outro. . . ainda o assistindo em seus muitos outros grandes filmes. Pelo menos ele está em paz agora. "

Burton Stephen Lancaster nasceu em 2 de novembro de 1913, no bairro de East Harlem de Nova York, frequentou a Public School 83 e a DeWitt Clinton High School, e costumava dizer que pode ter “crescido para ser policial ou criminoso (seu irmão se tornou policial, vários de seus colegas de infância acabariam em Sing Sing) se não fosse pelo atletismo e pela biblioteca pública. ”

Ele tinha 6 pés e 2 polegadas de altura quando tinha 14 anos, com um físico robusto e reflexos rápidos que lhe valeram uma bolsa de estudos na Universidade de Nova York. Uma mente alerta e retentiva deu-lhe uma predileção vitalícia pelos livros. Mas a educação formal começou a aborrecê-lo em meados de seu segundo ano e ele largou a faculdade para ingressar no circo.

Ele se juntou ao amigo de infância e parceiro de ginástica Nick Cravat - que mais tarde se juntou a ele nas acrobacias em "The Crimson Pirate" e "The Flame and the Arrow" - e formou a equipe acrobática de Lang e Cravat, conseguindo um emprego com o show Kay Bros. com um salário de $ 3 por semana e três refeições por dia.

“Eu sabia”, disse ele anos mais tarde, “que havia encontrado o tipo de coisa que queria fazer para o resto da minha vida - a única questão era qual parte do negócio seria melhor”.

De 1932 a 1937, a equipe de Lang e Cravat trabalhou continuamente: o noivado com Kay Bros. deu lugar a um semelhante (mas mais bem pago) com Gorman Bros. Circus. Isso foi seguido por uma mudança para o show itinerante do Barnett Bros. e, finalmente, para uma turnê com Ringling Bros. e Barnum & amp Bailey - então, como agora, o topo do mundo circense na América do Norte.

“Mas não parecia muito certo”, disse ele. “Senti que faltava algo. Inferno, eu queria conversar. . . . ”

Então ele deixou o ato por um tempo para aparecer no Works Progress Administration Theatre Project da era da Depressão.

“Mas realmente não funcionou para mim”, disse ele aos entrevistadores ao longo dos anos. “Eu adquiri o hábito de comer três refeições por dia, e isso era difícil de fazer com o que o Projeto Teatral podia pagar. Então, voltei para Lang e Cravat. ”

Poucas semanas depois de seu retorno ao circo, um de seus dedos infeccionou e um médico deu-lhe uma escolha: desistir da acrobacia profissional ou amputar o rosto.

“Decidi manter o controle”, disse ele, “e fui procurar um tipo diferente de trabalho - fora do circo, mesmo fora do campo do entretenimento”.

Nos três anos seguintes, ele foi, alternadamente, um andarilho no departamento de lingerie da loja Marshall Field em Chicago, um vendedor no departamento de armarinhos da mesma loja, um bombeiro, um motorista de caminhão e um engenheiro de uma fábrica de frigoríficos.

Retornando a Nova York, ele encontrou um emprego no Columbia Concerts Bureau (uma subsidiária da rede CBS que fornecia música para pequenas cidades em todo o país). Mas antes que pudesse assumir suas novas funções como agente de reservas, ele recebeu seu aviso de convocação.

“Tive um tempo maravilhoso”, disse ele, “fazendo uma turnê no Norte da África, Itália e Áustria como um virador de páginas para um soldado pianista!”

Os anos da Segunda Guerra Mundial levaram a um contato importante, entretanto.

Isso foi com uma artista USO chamada Norma Anderson. Eles mantiveram contato durante o resto da guerra e, assim que acabou, ele usou sua licença de dispensa de 45 dias e vale de viagem para procurá-la em Nova York, onde ela trabalhava para um produtor de rádio.

Ele estava no elevador, a caminho do escritório dela, quando percebeu que outro passageiro o encarava.

“Quando desci no andar da Norma”, disse ele, “o cara me seguiu, e tenho que admitir que ele estava realmente começando a me preocupar quando puxou um cartão de visita”.

O homem se identificou como um associado do produtor de palco Irving Jacobs e convidou Lancaster para ler para o papel de um sargento durão em uma nova peça chamada "A Sound of Hunting".

Lancaster conseguiu o papel e, embora a peça tenha sobrevivido por apenas cinco semanas, os críticos foram unânimes em seus elogios. Eles trouxeram olheiros de cinema para a peça e sete ofertas de contratos de cinema resultaram.

Mas ele não aceitou nenhum deles. Em vez disso, ele assinou com Hecht, que veio aos bastidores para fazer uma oferta que ninguém mais tinha, dizendo a Lancaster: "Em cinco anos, estaremos fazendo nossas próprias fotos."

Eles apertaram as mãos sobre isso e começaram uma associação de negócios que rendeu um estoque quase ininterrupto de filmes, milhões e Oscars para o próximo quarto de século.

O primeiro movimento de Hecht foi assinar um contrato com Lancaster com Hal Wallis pedindo duas fotos por ano, o jovem ator embarcou em um trem para Hollywood, pronto para começar a trabalhar imediatamente em um filme intitulado "Desert Fury". Mas, ao chegar, descobriu que o roteiro não estava pronto.

O produtor Mark Hellinger, no entanto, tinha visto um teste de cinema de Lancaster e o queria para o papel de herói condenado do sueco em "The Killers", baseado no conto de Ernest Hemingway.


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Burt Lancaster, uma estrela de Hollywood, morre aos 80 anos após um ataque cardíaco em 1994

Burt Lancaster, filho de um funcionário dos correios do East Harlem, cujos cérebros e músculos o transformaram em uma estrela de Hollywood de apelo extraordinário, foi lamentado ontem como "um gigante" após sua morte aos 80 anos.

Lancaster, que sofreu um derrame há quatro anos que o deixou incapaz de falar ou reconhecer seus amigos, morreu quinta-feira de um ataque cardíaco em sua casa em Los Angeles, disse sua esposa, Susan Scherer.

"Ele estava acariciando meu cabelo e tocando meu rosto, e ele deu um suspiro e foi isso", disse Scherer.

"Ele foi muito, muito pacificamente. Estávamos juntos, graças a Deus", acrescentou ela. "Na última semana ele esteve melhor do que nunca. Foi uma surpresa completa."

Lancaster, formado pela DeWitt Clinton High School, no Bronx, levou o estereótipo antigo do durão do filme a um novo plano, enriquecendo seu machismo na tela com sensibilidade e consideração. Sua carreira durou mais de quatro décadas e 70 filmes, de taciturno duro a protagonista e ator de personagem. Mesmo no crepúsculo de sua carreira, sua estatura só foi confirmada pela pungência de suas performances.

Ele ganhou um Oscar pelo filme de 1960 "Elmer Gantry". Outros filmes memoráveis ​​incluem "The Birdman of Alcatraz", "From Here to Eternity", "Sweet Smell of Success", "Atlantic City", "Julgamento em Nuremberg", "The Rose Tattoo" e "Local Hero".

"Há muitos bons atores, mas há muito poucos únicos. Como Cagney e Bogart, Burt era único", disse sua co-estrela de "Elmer Gantry", Shirley Jones.

"É a passagem de um gigante", disse seu amigo e co-estrela Kirk Douglas ontem. "Mas Burt nunca morrerá. Sempre seremos capazes de vê-lo balançando de um jarda em" The Crimson Pirate '... e atirando comigo em' Gunfight at the O.K. Curral.'"

"Sinto que a indústria perdeu uma pessoa maravilhosa, que sempre foi entusiasta dos filmes que fazia. Não importa qual fosse o material, ele sempre deu o que eu chamaria de 100% real", disse a co-estrela de "Birdman" Karl Malden.

Após passagens como acrobata de circo e artista do Exército, a carreira de Lancaster no cinema foi marcada por papéis físicos intensos, mas ele também teve um bom desempenho em papéis sensíveis.

Mas mesmo como uma estrela, ele nunca se esqueceu de onde veio, doando dinheiro para instituições de caridade do East Harlem. Ele também acreditava firmemente nas causas liberais e já serviu como presidente da American Civil Liberties Union.

Nascido Burton Stephen Lancaster em 2 de novembro de 1913, na Third Ave. e 106th St., o ator era filho de um funcionário dos correios do East Harlem. Após o colegial, ele estudou na Universidade de Nova York com uma bolsa de basquete.

Mas Lancaster abandonou a NYU em seu segundo ano para formar uma equipe acrobática com o amigo de infância Nick Cravat. A dupla então passou vários anos em turnê com circos, vaudeville e casas noturnas.

Elaborado durante a Segunda Guerra Mundial, Lancaster passou a maior parte de seu período de serviço entretendo as tropas. Em 1945, ele começou sua carreira de ator aparecendo em uma produção da Broadway que fechou após duas apresentações.


Burton Stephen “Burt” Lancaster foi um ator, diretor e produtor de cinema nascido em 2 de novembro de 1913 em Manhattan, Nova York, EUA, e foi quatro vezes indicado ao Oscar, vencendo por sua atuação em “Elmer Gantry” (1960). Por seu trabalho em “The Birdman of Alcatraz” (1962) e “Atlantic City” (1980), ele recebeu um Globo de Ouro e um prêmio BAFTA, e seus outros trabalhos notáveis ​​incluem filmes como “Marty” (1955), “Trapeze ”(1956),“ Sweet Smell of Success ”(1957),“ Separate Tables ”(1958) entre muitos outros. Ele faleceu em outubro de 1994.

Você já se perguntou o quão rico era Burt Lancaster? Segundo fontes, estimou-se que o patrimônio líquido geral de Burt Lancaster era de US $ 40 milhões, acumulado durante quase meio século de longa carreira de ator. Como ele também tinha empreendimentos de direção e produção, eles também aumentaram seu patrimônio líquido.

Burt Lancaster com patrimônio líquido de US $ 40 milhões

Nascido como um dos cinco filhos da família, Burt provou um notável talento atlético quando menino. Ele tinha 19 anos quando se juntou ao circo para se apresentar em atos acrobáticos com seu amigo de longa data, Nick Cravat, que mais tarde co-estrelou em vários de seus filmes. Durante a Segunda Guerra Mundial, Lancaster serviu no exército e como resultado de apresentações em shows USO, ele desenvolveu um interesse em atuar. Quando a guerra acabou, ele conseguiu seu primeiro trabalho profissional como ator na peça da Broadway “A Sound of Hunting” (1945), e sua atuação foi notada por um caçador de talentos que o levou a Hollywood.

O filme de estreia de Burt veio dois anos depois com "Desert Fury", e ganhou a atenção do público pela primeira vez no clássico noir "The Killers" (1946). Lancaster evitou a classificação de Hollywood e logo assumiu o controle de sua carreira ao fundar a produtora Hecht-Hill-Lancaster em 1948 e ao estabelecer sua reputação de ator versátil. Ao longo de sua carreira, ele apareceu em vários filmes de qualidade, mantendo o pico de popularidade no final dos anos 40, 50 e 60 graças a papéis em filmes como “I Walk Alone”, “All My Sons”, “Sorry, Wrong Number ”,“ Criss Cross ”,“ The Crimson Pirate ”,“ Come Back, Little Sheba ”e muitos outros. Ele recebeu sua primeira indicação ao Oscar por seu papel em “From Here to Eternity” (1953), o que ajudou a aumentar seu patrimônio líquido.

Sua série de papéis continuou ao longo dos anos seguintes, como ele apareceu nos sucessos “Apache”, “Trapeze” e “Run Silent, Run Deep”. Por sua atuação carismática em “Elmer Gantry” (1960), Burt ganhou um Oscar, e um ano depois, após interpretar um criminoso de guerra nazista em “Judgment at Nuremburg” (1961), foi indicado a outro Oscar. Seus outros filmes notáveis ​​durante os anos 60 incluem "Seven Days in May", "The Train", "The Professionals" e "The Swimmer". Embora seu primeiro filme nos anos 70 tenha sido um desastre, Lancaster atuou em alguns filmes notáveis ​​durante essa década também, incluindo seu papel em “1900” de Bertolucci. Nos anos seguintes, surgiram mais papéis de personagens, como com Kirk Douglas em “Tough Guys” (1986) e seu comovente retrato do Doutor Graham em “Field of Dreams” (1989).

Teve sua última atuação na minissérie para TV “Separate but Equal” (1991), após a qual se aposentou por problemas de saúde, tendo aparecido em quase 80 filmes na tela grande e mais de uma dúzia na TV. Ele é classificado pelo American Film Institute como o no.19 das maiores estrelas masculinas do cinema clássico de Hollywood.

Quando se trata de sua vida privada, Lancaster se casou três vezes. Seus dois primeiros casamentos terminaram em divórcio, com June Ernst (1935-46) e Norma Anderson (1946-69), ele se casou com sua terceira esposa, Susan Martin em 1990 e ficou com ela até sua morte em 20 de outubro de 1994 em Century City, Los Angeles, Califórnia, EUA. Ele era pai de cinco filhos, todos com Norma.


Vida e biografia de Burt Lancaster

Data de nascimento: 02/11/1913
Data da morte: 20/10/1994
Local de nascimento: New York City, New York, U.S.
Nacionalidade: americana
Categoria: Figuras Famosas
Última modificação: 22/01/2011
Creditado como: ator de cinema, Elmer Gantry, The Birdman of Alcatraz (1962)

Burt Lancaster , uma das estrelas de cinema mais populares de todos os tempos, nunca quis ser ator. Caindo na atuação por acaso, Lancaster passou a se tornar uma estrela, embora não tivesse nenhum treinamento dramático. Ele fez 85 filmes durante sua longa carreira e ganhou um Oscar.

Burton Stephen Lancaster, o quarto de cinco filhos, nasceu em 2 de novembro de 1913 na cidade de Nova York, filho de James Lancaster, um funcionário dos correios, e Elizabeth Roberts Lancaster. Embora a família fosse descendente de irlandeses e ingleses, eles residiam no East Harlem italiano. Quando Lancaster e seus irmãos tinham idade suficiente, eles tiraram neve, venderam jornais e engraxaram sapatos para ganhar dinheiro para a família. Enquanto James Lancaster era um pai gentil e afetuoso, Elizabeth era uma disciplinadora severa, incutindo nos filhos as virtudes da honestidade e lealdade, com chicotadas se necessário. Ela não tinha preconceitos contra as diversas etnias de seu bairro e os tratava com gentileza, o que causou forte impressão em seu filho.

Lancaster frequentou a Escola Pública 121 para as primeiras séries do ensino fundamental. Lá ele se saiu bem, especialmente em leitura e escrita. Ele então foi transferido para a Escola Pública 83, onde gostava de inglês e história, mas se saía mal em matemática. Lancaster adorava ler e afirmava ter lido todos os livros da biblioteca da 110th Street quando tinha 14 anos. Ele também adorava filmes, especialmente os do fanfarrão Douglas Fairbanks, mas não queria se tornar um ator. Até os 15 anos, Lancaster queria ser cantor de ópera. Ao longo de sua vida, ele manteve o amor pela ópera e música sinfônica.

Aos 13 anos, Lancaster perdeu a gordura de bebê e se tornou um jovem alto e atlético. Ele corria nas ruas e parques com as crianças da vizinhança, e na Union Settlement House ele apareceu em uma peça. Um famoso diretor, Richard Boleslavsky, o viu no show e ficou tão impressionado que discutiu a possibilidade de uma escola de teatro com Elizabeth Lancaster. Seu filho, no entanto, não estava disposto, chamando a atuação de "coisa maricas".

No acampamento, quando tinha nove anos, Lancaster conheceu seu amigo de longa data, Nick Cravat, um rapazinho duro com quem Lancaster trabalharia mais tarde. Lancaster frequentou a DeWitt Clinton High, uma escola acadêmica só para meninos para alunos que pretendiam entrar na faculdade. Em seu último ano, a mãe de Lancaster morreu de nefrite intestinal crônica. Ele se formou no colégio em 26 de junho de 1930 e entrou na New York University em setembro de 1931. Ele esperava ser professor de ginástica e se envolveu com a ginástica. Lancaster deixou a faculdade no início de seu segundo ano e se juntou a um circo com seu amigo Cravat. Eles ganhavam três dólares por semana como acrobatas.

Lancaster conheceu June Ernst, uma acrobata, e se casou com ela em 1935 quando ele tinha 21 e ela 18. Eles se separaram em 1937 e se divorciaram em 1940. Nesse mesmo ano, quando Lancaster feriu gravemente a mão direita, ele decidiu desistir do circo. Ele trabalhou para uma loja de departamentos, uma empresa de refrigeração e em vários outros empregos, incluindo o de garçom cantor, até ser convocado para o Exército dos EUA em 1942.

Lancaster tornou-se parte dos Serviços Especiais, cujo objetivo era entreter os soldados e fornecer-lhes atividades fora do serviço. He began as an athletic instructor, moving on to the job of entertainment specialist, where he wrote, directed and performed in skits.

While putting on shows for the troops in Italy in 1944, Lancaster met the woman who was to become his second wife, Norma Anderson, a United Service Organization (USO) entertainer. Later, in New York, Lancaster visited Anderson, who worked for ABC radio. In the building's elevator, a man asked him if he was an actor. Lancaster responded that he was a "dumb actor," meaning he performed without words, as an acrobat. A few minutes later, the man telephoned the office where Lancaster was visiting and asked him to audition for the play, A Sound of Hunting.

Lancaster got the part. After three weeks of rehearsals, the play opened on November 6, 1945 and closed three weeks later. Lancaster then got an agent, Harold Hecht, and signed a contract with Hal Wallis Productions, Inc. on January 8, 1946 to make two films a year for seven years. He was also able to work for other companies. Lancaster took the train to California with one set of clothes and thirty dollars.

Not only was Lancaster a capable actor, but he looked very good on camera. He stood six feet two inches tall, weighed 180 pounds, and had a large chest and a small waist. He looked younger than his thirty-two years and had a gorgeous smile and bright blue eyes. While waiting to make his first film for Hal Wallis, Lancaster signed a contract with Mark Hellinger to make one picture a year for up to five years. Lancaster was paid $2,500 a week for his work in The Killers, which became a big hit and launched Lancaster's film career. He later said of that time, as quoted in a Sidney Skolsky syndicated column of 1950, "I woke up one day a star. It was terrifying."

After finishing the film, Lancaster drove back east to be with Anderson, who had given birth to their first child, James, on June 30, 1946. Lancaster and Anderson had not yet married, but would do so on December 28, 1946 in Yuma, Arizona. Their second son, Billy, was born in November of 1947.

On Lancaster's second film, Desert Fury, the actor argued angrily with the director when he disagreed about how something should be done in the film. This was a habit he never lost and stemmed from his intense involvement with his work. In his third film, I Walk Alone, Lancaster starred with Kirk Douglas, with whom he would make other films, including Gunfight at the O.K. Curral. The two had a love-hate relationship until Lancaster's death.

In September 1947, the House Un-American Activities Committee subpoenaed 34 people from Hollywood to investigate the extent of Communist infiltration in the movie industry. To protest, several people in the industry, including Lancaster, formed the Committee for the First Amendment. This represented the beginning of his involvement with liberal political causes. In March 1948, Lancaster began work on Kiss the Blood off My Hands, the first project of his new company, Hecht-Norma Productions, that he had formed with Harold Hecht.

In July 1948, Lancaster bought his first home. Located in Bel-Air, the large colonial housed the Lancasters, Burt's father, and Burt's widowed sister-in-law, Julia. Over the years Lancaster added a pool, tennis court, guesthouse, projection room, gym, kennel, and a baseball diamond. Lancaster also began collecting modern French paintings. He loved playing bridge and took the game very seriously.

In 1949, Lancaster began an affair with actress Shelley Winters. His marriage to Norma had problems because of her drinking, and Lancaster was often unfaithful. Norma gave birth to their third child, Susan, in July 1949. In 1950, when Norma again became pregnant, Winters realized that her relationship with Lancaster had no future. She burned all her photos of him and ended the affair.

In 1952, Lancaster made the film Come Back, Little Sheba with actress Shirley Booth. Twenty years later, Lancaster would call Booth the finest actress he had ever worked with. His portrayal of a middle-aged alcoholic surprised audiences and displayed his acting abilities and willingness not to be typecast. Of this shift in his career, he later said, in an article in Films and Filming, "Suddenly they began to think of me as a serious actor."

In 1953, Lancaster starred in From Here to Eternity as Sgt. Warden, a tough, serious soldier who falls in love with his commanding officer's wife. The film contains one of the most famous love scenes of all times, with Lancaster and his co-star Deborah Kerr kissing on a beach as waves wash over them. From Here to Eternity earned more money than any other film in the history of Columbia Pictures to that point. Lancaster won the New York Film Critics Circle Award for the best actor of 1953. He was nominated for, but did not win, the Academy Award for best actor of that year.

In 1954, Lancaster directed his first movie, The Kentuckian, in which he also starred. Directing had been a dream of his, but after the lukewarm reception the film received, Lancaster was terribly disappointed and directed only one other movie, The Midnight Man, in 1974.

Lancaster starred in Elmer Gantry, (1960), about a larger-than-life evangelist. Later Lancaster was to say that of all the roles he had played, Elmer Gantry was the most like himself. Gary Fishgall wrote in Against Type: The Biography of Burt Lancaster, "If one had to chose a single picture from the prime of Lancaster's career to define the essence of his stardom, Elmer Gantry would be that film." For his work in the film Lancaster won the New York Film Critics Award for best actor of 1960, the Golden Globe for best motion picture actor in a drama, for 1960, and the Academy Award for best actor of 1960.

In late 1960, Lancaster began filming Birdman of Alcatraz, in which he plays a prisoner who raises birds. Lancaster became very emotionally involved with his role. "One of the problems an actor faces, and it's a very dangerous thing, is to get so involved in a role he loses control of what he is doing. With Birdman of Alcatraz, I couldn't stop crying throughout the film," Lancaster explained in Take 22: Moviemakers on Moviemaking. He was nominated for an Academy Award for his portrayal of Robert Stroud.

Lancaster began filming Judgment at Nuremberg in early 1961. The movie detailed the 1948 war crimes trial of four Nazi judges. Lancaster played Ernst Janning, but was not popular in the role.

In September 1961, Lancaster's father died. James Lancaster had lived with his son since 1947. The two had been very close. In November of that year, the Lancaster's home burned to the ground in a fire that destroyed 456 homes in Bel-Air. Luckily Lancaster's art collection survived since it had been lent to the Los Angeles County Art Museum only the week before. The family rebuilt their home on the same site.

In 1964, Lancaster began filming The Hallelujah Trail in New Mexico. On the set he met a hairdresser named Jackie Bone, who would be his girlfriend for the next 20 years. Although Lancaster was still married to Norma, he fell very much in love with Bone. He and Norma finally separated in 1967, but did not divorce until 1969. The end of his marriage was hard on Lancaster, who considered himself a family man, but he could not deal with his wife's alcoholism. Lancaster's relationship with Bone was stormy. Once they argued in a restaurant and Bone broke a pitcher over his head.

As the 1970s began, Lancaster had not had a successful movie for three years. His good looks were fading, and he drank to excess. He became depressed. Although he made 14 films in the 1970s, they were not very popular. In 1973, Lancaster and Bone moved to Rome. He learned to speak some Italian, cook spaghetti and even grew his own herbs for cooking. Their relationship remained stormy, and he cheated on her, as he had with Norma. The couple moved back to the U.S. in 1976.

In late 1979, Lancaster began work on Atlantic City, a film about two elderly gangsters. It was the first film in which he played a senior citizen. For his work in the film, Lancaster earned several awards including the BAFTA Film Award for best actor, 1980 the Los Angeles Film Critics Association award for best actor, 1980 and the New York Film Critics Circle Award for best actor, 1980.

At a party in 1985, Lancaster met Susie Scherer, a legal secretary who began to work for him. They fell in love and married in September 1990. In 1988, Lancaster made the very popular film Field of Dreams, his last film for the big screen. Lancaster's last work was a television mini-series called "Separate But Equal."

In November 1990, Lancaster suffered a major stroke which left him with paralysis on his right side and difficulty speaking. Lancaster died in Century City, California on October 20, 1994, only two weeks away from his 81st birthday.

Fishgall, Gary, Against Type: The Biography of Burt Lancaster, Scribner, 1995.


The Coded Queer Lives of a Hollywood Classic

“The Cat’s in the Bag, the Bag’s in the River”

What were we meant to be feeling at the movies in the 1950s on hearing a line like this? What do we feel now? What is this insinuating rumor about the cat, the bag, and the river getting at? How did movies make such magic out of masked meanings?

We looked at the screen, and things there seemed so real or emphatic—the men, the women, the sky, the night, and New York. No Sweet Smell of Success (1957) you believed you could sniff the black-and-white stink of the city. Wasn’t that in the contract as light ate into film’s silver salts? But the things depicted were also elements in a dream—nothing else looks like black-and-white. And because we believe dreams have inner meanings, not meant to be understood so much as lived with, we guessed there might be a secret within the facts. Was it just a gorgeous, repellent mood in Sweet Smell, or was a larger odor hanging over the film?

“The cat’s in the bag, the bag’s in the river,” Sidney Falco says to J. J. Hunsecker as information or promise, even as endearment. Those two rats play a game together called bad mouth. In 1957 in Sweet Smell the line had the click of hard-boiled poetry or of a gun being cocked. It said that some secret business was in hand, cool, calm, and collected but also dirty and shaming until you dressed it up in swagger. We were sinking into rotten poetry. I felt for that cat, and wondered if its death was being signaled but I guessed the scrag of wet fur was alive still—it was a secret and secrets don’t die, they only wait. The very line said, What do you think I mean? And that’s what the best movies are always asking. Sometimes you revisit those 1950s movies and feel the cat’s accusing eyes staring at you through the bag and the rising river.

Some people treasure Sweet Smell of Success because it’s so unsentimental, so gritty. I don’t buy that. Long before its close the story becomes tedious and woefully moralistic. It shuts itself down, and then the wisecrack lines are stale garnish on day-old prawn cocktail. Admit it: after sixty years, a lot of “great” films can seem better suited to museums than packed places where people want to be surprised for the first time, agora. In museums, as on DVDs, the films can seem very fine, yet not much happens while you’re watching except the working of your self-conscious respect. But power in a movie should be instant and irrational it grabs at dread and desire and often involves more danger than contemplation.

Sweet Smell is that good or grabby for at least half an hour—and in 1957 that came close enough to horror or fascination to alarm audiences. Perhaps that’s why the scabrous movie had to ease back, turn routine, go dull, whatever you want to say. Would it have been too disturbing for the movie business—which includes us, the audience—if Sweet Smell of Success had gone all the way and let its cat out of the bag?

As written first by Ernest Lehmann, then rewritten by Clifford Odets, and directed by Alexander Mackendrick, Sweet Smell is set in the old newspaper world of New York City. J. J. Hunsecker is an indecently potent gossip columnist on the New York Globe. The hoardings in the city call him the Eyes of Broadway, with the image of his cold stare and armored spectacles. At the time, there was talk that Hunsecker was based on a real columnist, Walter Winchell. That’s not incorrect. But how many now know who Winchell was then? Whereas a lot of us still respond to the smothered hostility in Burt Lancaster and react to the gloating tension he has in the lm with Tony Curtis.

Lancaster played Hunsecker his own company (Hecht-Hill-Lancaster) produced the movie. So Burt was in charge, and he is filmed throughout the story as a monarch who sits still and orders the execution of others with the flicker of an eye or a hushed word. That verdict will be passed finally on Sidney Falco (Tony Curtis), a scuttling press agent who survives by getting items into Hunsecker’s column and so can be engaged to do whatever ugly deeds J.J. requires. A refined, codependent slavery exists between them: J.J. smiles and Sidney smiles, but not at the same time. It is the toxic pact between these two that makes the film disturbing for at least thirty minutes—but it might have been a greater film still if it could have seen or admitted that their mutual loathing is the only thing that keeps them from being lovers.

This was not admitted in 1957, and no one can blame a commercial movie of that era for lacking the courage or even the self-awareness that would have been so direct about a destructive homosexual relationship. If Burt had felt that subtext, his company would never have made the picture. But Burt the man and the actor cannot resist the allure of the secret. He looks at Sidney and at his own position like a charmer looking at a snake and seeing danger. Ainda Sweet Smell plays out finally as one more melodrama of good people and bad people—the way Hollywood liked to tell us the world worked. The radical situation of the lm is that Sidney fears and needs J.J. while the columnist despises but needs Sidney. There’s no room for conventional affection, let alone love, but dependency is like cigarette smoke at the nightclubs where the two rats live. And it reaches poetry in the vicious zigzag talk that joins these men at the hip.

They know each other like a married couple.

The talk seems lifelike—you can believe you are hearing two cynical professionals whose venom is ink the insults feel printed. But it’s hard for movies to stop at that. In the conspiracy of close-ups and crosscutting, and in the pressure to hold audience attention, the talk becomes musical, rhythmic, a self-sufficient rapture, and even the subject of a film.

Sidney goes to the 21 Club, sure that J.J. will be there, in his element. They know each other like a married couple. J.J. is at his table, holding court—he is a little like Vito Corleone at the start of The Godfather, but not as warm or amiable. Hunsecker is receiving a U.S. senator—a weak officeholder he has known for years—a groveling talent agent, and a blonde woman the agent is touting (and providing for the senator’s pleasure). The blonde is named Linda James. She maintains she is a singer. She is played by an actress named Autumn Russell who had a dozen movie credits before fading away she is good here as a woman past youthful freshness, attractive yet desperately preserved, painfully available, and about to be humiliated.

Sidney sits down at the table, beside but a little behind Hunsecker. J.J. begins to order him away, but Sidney has a password, a way into J.J.’s need—he has something to tell him about Hunsecker’s sister. So the powerful man relents and Sidney stays. Then Miss James, trying to be pleasant, wonders out loud if Sidney is an actor.

“How did you guess it, Miss James?” asks Hunsecker, scenting revenge.

“He’s so pretty, that’s how,” she responds. And let it be said, Tony Curtis in 1957 was “pretty,” or a knockout, or gorgeous… The list of such words is not that long, and it’s nearly as problematic now as calling a woman “beautiful.” Let’s just say “pretty” fits, even if Sidney is torn between pleasure and resentment at hearing the word.

Then Hunsecker speaks—and in a few words we know it is one of the killer speeches of 1957.

Mr. Falco, let it be said, is a man of forty faces, not one, none too pretty and all deceptive. See that grin? That’s the charming street urchin’s face. It’s part of his “helpless” act—he throws himself on your mercy. He’s got a half a dozen faces for the ladies, but the real cute one to me is the quick, dependable chap—nothing he won’t do for you in a pinch, so he says! Mr. Falco, whom I did not invite to sit at this table, tonight, is a hungry press agent and fully up on all the tricks of his very slimy trade!

That speech is as cruel as it is literary. It helps us recognize how uncasual or nonrealistic movie talk can be. Of course Hunsecker is a writer, though it’s easier to believe he dictates his column instead of putting pen to paper. But the speech relishes words and their momentum. In life, it was one of the speeches that Clifford Odets hammered out on his typewriter in a trailer parked on a Manhattan street hours ahead of the shooting. Odets had been a revered playwright in the 1930s, the husband or lover to famous actresses, and here he was, at fifty, a Hollywood writer and rewriter for hire, doctoring a screenplay for immediate performance. He knew self-loathing from the inside observers said he was “crazed” by the shift in going from being the next Eugene O’Neill to just another script doctor. Yet Odets was good enough to build to this moment: as he concludes his assassination, Hunsecker picks up a cigarette, and says, quietly, “Match me, Sidney.”

This is an ultimate humiliation it is the blade slipping between the bull’s shoulder blades but it is a proposal, too, or an admission that a terrible wounding marriage exists between the two men, one that cannot be owned up to or escaped. The line is poison for Sidney to taste, and Tony Curtis has played the scene, in close-up, like a man with a sweet tooth for poison, on the edge of nausea. (Later on in the film, Hunsecker tells Sidney he’s “a cookie filled with arsenic.”)

But even a destroyed wife can sometimes get a line back. “Not just this minute, J.J.,” Falco answers, and now we know there is a level between them, beneath professional cruelty and self-abasement. It is a horrible kind of love. Hunsecker smiles at the refusal, as if to admit that the wretched Falco can stick around.

There is more talk like this, and in 1957 it was courageous or even reckless: the film was never a popular success—it had rentals a million dollars less than its costs, so Burt the businessman suffered, which meant others would feel the pain. One obvious risk in the film was giving offense to real Hunsecker-like figures and undermining the integrity of what was still called “the press.” But there’s a deeper implication in the scene and the talk: these two men need each other they might exchange insult and subjugation forever. Indeed, as an audience we don’t want them to stop talking.

Alas, Sweet Smell cannot act on that realization. A complicated plot intervenes. J.J. is obsessed with his sister, Susan. This is asserted, but never explored: does he simply need to control her, or does he have a physical desire for her that he cannot express or admit? It should be added that there is no other woman in Hunsecker’s life. He is disturbed that Susie seems to be in love with a young jazz musician, Steve—maybe the cleanest, whitest, dullest jazzman in all of cinema. These two characters, played by Susan Harrison and Martin Milner, are embarrassments who drag the lm down. This is not an attack on the actors but despair over the concept that lets the lm dwell on them. Why is J.J. obsessed? We never discover an answer. I don’t necessarily want to see his incestuous yearnings I accept his need for power and fear in others. But I want chemistry between J.J. and Susan if the threat of losing her is to be dramatic.

As it is, Sweet Smell degenerates into a tortured intrigue in which Sidney contrives to frame Steve on drug charges, just to make Susan turn against her guy. This leads to an ending in which two bad men get their just desserts. But that is banal and lacks feeling for “the young lovers,” who trudge off together into a new day. We do learn more about Sidney’s conniving nature, and the film becomes a showcase for Curtis. (That he was not nominated for his work speaks to how far Sidney unsettled Hollywood.) But we do not get enough of the two caged men clawing at each other with spiteful words. I don’t think anyone could contemplate a remake of the film today without seeing that there has to be a gay relationship between columnist and press agent, a reliance that excludes the rest of life.

As the film ends, Susie has found the strength to leave her brother. “I’d rather be dead than living with you,” she says. The odious cop, Kello, has beaten up Sidney on the street and carried his limp body away. Is he dead? Or would it be possible for J.J. to come down to the street to reclaim the broken body, carry it upstairs, and put it in the room left free by Susie’s departure? That is not an enviable future for a very odd couple. Maybe Sidney lives in a wheelchair, crippled and needing to be looked after. Just so long as he can exchange barbed lines with J.J.

This is less film criticism—as in a review of a new film—than a reflection on the history of the medium and the way a dream evolves if it is potent enough. I can find no evidence that anyone on the picture intended the undertone I am describing, or was aware of it. I am confident that director Mackendrick and writer Odets were not homosexual, though I’m less sure that they didn’t understand the possibility of that relationship and see an underground life in the casting. Tony Curtis (born Bernard Schwartz in 1925) really was a very good-looking kid, though as a Bronx boy and then a young man in the Pacific war (in submarines), he was only ordinarily good-looking. It was in the late 1940s, as he thought of a show business career, that he started working hard on his looks and his body, and when he felt people in the neighborhood were thinking he might be gay.

In those late 1940s—and still today—there is a widespread feeling that a lot of people in show business are gay. That notion exists above and beyond the fact that there are more homosexuals in show business than in most other professions. Curtis was a fascinating case, with a well-earned reputation as a ladies’ man, with six marriages and six children.

I n watching pretense we acquire a deeper sense of our reality but a growing uncertainty over our psychic integrity. What else are movies for?

Curtis was also funny, candid, and quite bold. He could sit there on screen as Sidney while other characters considered how “pretty” he was. Many lead actors of that era would not have stood for that—I’m sure Lancaster would not have sat there, absorbing it (which doesn’t mean he was deaf to the undertones as he administered the lashing). Curtis grew up in the movie business with a corps of very good-looking guys, many of whom were clients of the agent Henry Willson, who cultivated gay actors who did not come out of the closet on screen—one of them was Rock Hudson, a contemporary of Curtis’s at Universal.

Maybe most important of all, Curtis had the courage to play Josephine in Billy Wilder’s radical film, Some Like It Hot. How much courage? Well, it’s fair to say that Jack Lemmon played Daphne in the spirit of farce and slapstick. It’s not likely, watching Some Like It Hot, in 1959 or now, to believe that Daphne is a girl. But Curtis went for it. Josephine é an attractive woman. Curtis is candid in his book, American Prince, about the shyness he felt in wearing female clothes and then being on show in front of the crew. “After all these years of putting up with guys coming on to me and hearing rumors about my own sexuality, dressing like a woman felt like a real challenge to my manhood.” So he told Wilder that Josephine needed better clothes.

Not that it matters now, but I don’t believe Tony Curtis was gay, ever. Of course, that would have nothing to do with his ability as an actor to imagine or pretend to gay experience. And if Curtis was that good then he was admitting millions of people in his audience into the same experiment. One principle in this book—and it has been of enormous influence in our lives as a whole—is that in watching pretense we acquire a deeper sense of our reality but a growing uncertainty over our psychic integrity. What else are movies for? We thought we were identifying with characters for fun, but perhaps we were picking up the shiftiness of acting—for life.

The case of Burt Lancaster is more complex. He was married three times, and he had five children. But we are past believing that such credentials settle all interests. The best biography on Lancaster, deeply researched and written with care and respect by Kate Buford, does not believe he had an active gay life. That book was published in 2000. On the way to a celebration of its publication at Lincoln Center, I had dinner with an old friend, George Trescher, a man who did nothing to conceal his own homosexuality, and he assured me that in fact Lancaster had led a gay life. Later still, some documents were released from the F.B.I. and the Lancaster family that did not name names but that revealed that Lancaster had often been “depressed,” that he was bisexual, and that he had had several gay relationships, though never on more than a short-term basis.

With that in mind, you might look at Lancaster’s strangest film, The Swimmer (1968), directed by Frank Perry and taken from a John Cheever story. It’s a fable about an apparent Connecticut success, Ned Merrill, who takes it into his head to swim home one summer Sunday by way of all the pools owned by his acquaintances. Cheever, who had a tormented gay life, watched the filming with awe and amusement, as Burt, at fifty-five, in simple trunks, made Ned’s way from sunlight to dusk and dismay. Why did they make that movie? you’ll wonder. Because Burt wanted to do it.

For much of his career, Lancaster was called a he-man or a hunk. Trained in the circus and proficient as an acrobat, he loved athletic and adventurous roles in movies for which he frequently did his own stunts. As a boy, I thrilled to him as Dardo in The Flame and the Arrow (1950), about a twelfth-century Robin Hood figure from Lombardy. His sidekick in that picture was played by Nick Cravat, a circus partner who kept company with Burt for decades. They made nine films together, including The Crimson Pirate (1952), with Burt as an archetypal grinning rogue, beautiful and physically commanding, in what went from being a straight pirate adventure to a camp romp in which Lancaster is blond, bright, and comically cheerful—in other words, the hero is a parody of himself.

There was another Lancaster, darker and more forbidding: you can see that actor in The Killers, Brute Force, e Criss Cross, and he emerged fully as Sergeant Warden in From Here to Eternity. That Lancaster became a good actor, but for decades he was determined to stay athletic and heroic: as late as The Train (1964), when he was fifty, he was doing his own stunts. But his work in Sweet Smell is the more interesting for being so repressed. Was he at ease like that? Orson Welles had been the original casting as J.J., but Welles was in a run of ops so Lancaster the producer elected to play the monster himself. He made the role in a way that would have been beyond Welles. It’s in Hunsecker’s stealth and stillness that we feel his evil—or call it a darker inner life than Burt was accustomed to showing. Only a couple of years before Sweet Smell, he had played with Curtis in Trapeze, a conventional circus film that took advantage of his own physical skills.

Tony Curtis reported in his book that Lancaster was often very tense during the filming: he was at odds with Mackendrick, so that they sometimes came close to physical conflict. In one scene, Mackendrick wanted Burt to shift over on a bench seat to let Curtis sit at the table. Burt insisted that Hunsecker would not have moved for anyone—it was a good insight—and he nearly fought the director. Mackendrick was taking too long the picture’s costs were mounting. But the physical actor in Lancaster was both determined on and pressured by the role’s tensions.

The film’s composer, Elmer Bernstein, said, “Burt was really scary. He was a dangerous guy. He had a short fuse. He was very physical. You thought you might get punched out.” Yet Lancaster was supposedly in charge, as both character and producer. Was he afraid of his own film commercially? Did he bridle at his required stillness? Was he in control of Hunsecker’s blank rage? Did he guess that Tony Curtis had the more vivid role? Or was he oppressed by the implications of the film’s central relationship? Did he feel the movie was a plot against him? These questions are not just gossip they enrich one’s experience of J.J.’s paranoia. Lancaster’s authority and Hunsecker’s power are twinned and destructive.

If we see a gay subtext in Sweet Smell, then the hobbled nature of its women characters becomes clearer. It is not just that pliant singer on a senator’s arm. Susan is an emotional wreck, attractive in outline but drained of romantic confidence or stability. At one point Sidney tells her to start thinking with her head not her hips. Hunsecker has a secretary who has no illusions about him. Sidney has a girl who is his humbled slave. There is a well-drawn betrayed wife (nicely played by an uncredited Lurene Tuttle). And then there is the Barbara Nichols character, Rita, an illusionless hooker so degraded she will do whatever Sidney requires of her. There isn’t a woman in the lm with appeal or self-respect. This bleak elimination of heterosexual potential is part of the dankness in Sweet Smell and one more contrast with the exhilarated sparring between the male leads. Hatred or antagonism is their idiom, and we can’t stop hanging on the tortured double act.

A partir de Sleeping with Strangers: How the Movies Shaped Desire. Used with permission of Knopf. Copyright © 2019 by David Thomson.


Prolific Character Actor Ed Lauter Dies at 74

Ed Lauter, the always working character actor who played the butler/chauffeur of Berenice Bejo&rsquos character Peppy in the best-picture Oscar winner O artista, died Wednesday. He was 74.

Lauter discovered in May that he had contracted mesothelioma, a terminal form of cancer most commonly caused by exposure to asbestos, publicist Edward Lozzi contado The Hollywood Reporter.

Lauter recently played a baseball scout opposite Clint Eastwood no Trouble With the Curve (2012) and had recurring roles on Showtime drama Shameless as Dick Healey and on USA Network&rsquos Pysch as Deputy Commissioner Ed Dykstra. Earlier, he recurred on ER, playing Fire Captain Dannaker.

A native of Long Beach, N.Y., Lauter made his TV debut on a 1971 episode of Mannix and arrived on the big screen for the first time in the Western Dirty Little Billy (1972). One of those character actors whose name is unknown but is instantly recognizable, he is listed with an incredible 204 credits as an actor on IMDb.

No Alfred Hitchcock&rsquos final film, Family Plot (1976), the balding, angular Lauter played Maloney, the dangerous, blue-collar man who knows too much about dapper jewel thief and kidnapper Arthur Adamson (William Devane) Hitchcock cast Lauter after seeing him play Captain Wilhelm Knauer, the sadistic leader of the guards who go up against Burt Reynolds&rsquo convict football team, in the classic The Longest Yard (1974).

&ldquoHitchcock came out of his screening room, walked back into the office and said, &lsquoHe&rsquos very good, isn&rsquot he?&rsquo&rdquo Lauter recalled in a 2003 interview. &ldquo[His assistant Peggy Robertson], thinking that he meant Burt Reynolds, said, &lsquoYes, he is.&rsquo &rdquo

&ldquoHitchcock said, &lsquoWhat&rsquos his name again?&rsquo Now, Peggy&rsquos lost he doesn&rsquot know who Burt Reynolds is? Then, Hitchcock said, &lsquoEd something &hellip&rsquo and when Peggy told him, &lsquoEd Lauter,&rsquo he said, &lsquoYes, we&rsquove got our Maloney.&rsquo He had actually told Peggy that he wasn&rsquot going to do the film unless he first cast Maloney, the antagonist.&rdquo

His film résumé also includes The New Centurions (1972), The Last American Hero (1973), French Connection II (1975), King Kong (1976), Magia (1978), Cujo (1983), Lassiter (1984), Death Wish 3 (1985), The Rocketeer (1991), Trial by Jury (1994), Leaving Las Vegas (1995), Mulholland Falls (1995), Seabiscuit (2003), the 2005 remake of The Longest Yard, Seraphim Falls (2006) and The Number 23 (2007).

It only seems as if he was in every TV crime drama in history, with parts in Cannon, Ironside, The Streets of San Francisco, Kojak, Baretta, Police Story, The Rockford Files, Charlie&rsquos Angels, Hawaii Five-0, Simon & Simon, Magnum, P.I., The A-Team, Miami Vice, Walker, Texas Ranger, Homicide: Life on the Street, NYPD Blue, Cold Case e CSI.

Lauter, who went to college on a basketball scholarship at C.W. Post on Long Island and worked as a stand-up comic, made his Broadway debut in the original 1968 stage production of The Great White Hope starring James Earl Jones e Jane Alexander.

He has three movies in the can yet to be released: The Town That Dreaded Sundown, Becker&rsquos Farm e The Grave.

&ldquoHe was a pal, not just a PR client,&rdquo recalled Lozzi. &ldquoHis former stand-up comedy days would always entertain us behind the scenes with his most incredible impersonations. He called me as Clint Eastwood from the set of Trouble With the Curve ano passado. We really thought it was Eastwood!&rdquo

Lauter also was known to do excellent impersonations of Burt Lancaster, George C. Scott, James Cagney e Humphrey Bogart.

The Ed Lauter Foundation and a scholarship fund is being established to honor his work, and the scholarship will be awarded annually to aspiring young actors. His family, which includes his wife of eight years, Mia, asks that donations be made to the foundation.

In the 2003 interview, Lauter recalled: &ldquoSomeone once said to me, &lsquoEddie, you&rsquore a &ldquoturn&rdquo actor.&rsquo What&rsquos that? He said, &lsquoThat&rsquos when a story is going along and your character shows up and the story suddenly takes a major turn.&rsquo That&rsquos kind of neat.&rdquo


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