Museu J. Paul Getty

Museu J. Paul Getty

O J. Paul Getty Museum de Malibu, Califórnia, está situado no topo de uma colina nas montanhas de Santa Monica, próximo à San Diego Freeway. Ele considerava a arte uma influência esclarecedora; sua perspectiva levou à criação do museu. O Museu Getty, construído pela primeira vez em 1971, apresenta a coleção de arte ocidental de Getty da Idade Média até o presente, em um cenário de arquitetura dramática, jardins tranquilos e vistas deslumbrantes dos arredores de Los Angeles - o Oceano Pacífico, montanhas de San Gabriel e a vasta rede de ruas da cidade. Seu objetivo é tornar a coleção atraente e significativa para os visitantes, apresentando e interpretando os acervos. As coleções incluem pinturas europeias, desenhos, manuscritos, esculturas e artes decorativas e fotografias europeias e americanas. O museu começou suas coleções de pinturas na década de 1930 sob a astuta liderança do próprio Getty. A ampla coleção exibe pinturas da Renascença do Norte da Itália, pinturas barrocas da Itália e Flandres, holandeses do século XVII e obras francesas dos séculos XVIII e XIX. O Departamento de Fotografias mantém nove coleções e várias outras fotografias adquiridas em 1984. Desenhos de Paul Gauguin, Vincent Van Gogh e, mais recentemente, um raro desenho de Michelangelo, adicionam um certo espanto ao museu. As coleções de esculturas europeias de Paul Getty incluem peças brilhantes do Renascimento italiano, francês e da era neoclássica britânica. O J. poliu a fama do museu. O Getty Museum Trust criou outro marco cultural quando abriu o J. como um centro educacional e museu , a Getty Villa dedica-se ao estudo das artes e culturas da Grécia e Roma antigas. A conservação é uma responsabilidade fundamental do Museu J. Paul Getty e um elemento essencial da missão do Museu.


* Louça de barro com um esmalte opaco de óxido de estanho, geralmente muito decorado.


Getty Center

o Getty Center, em Los Angeles, Califórnia, é um campus do Getty Museum e outros programas do Getty Trust. O centro de US $ 1,3 bilhão foi aberto ao público em 16 de dezembro de 1997 [2] e é bem conhecido por sua arquitetura, jardins e vistas de Los Angeles. O Centro fica no topo de uma colina conectada ao estacionamento de visitantes na parte inferior da colina por um motor flutuante de três carros puxado por cabo. [3]

Localizado no bairro de Brentwood, em Los Angeles, o Center é um dos dois locais do J. Paul Getty Museum e atrai 1,8 milhão de visitantes anualmente. (O outro local é a Getty Villa no bairro Pacific Palisades de Los Angeles, Califórnia.) A filial central do Museu apresenta pinturas, desenhos, manuscritos iluminados, esculturas, artes decorativas e fotografias europeias anteriores ao século 20 da década de 1830 até os dias atuais de todo o mundo. [4] [5] Além disso, a coleção do Museu no Centro inclui esculturas ao ar livre exibidas em terraços e jardins e o grande Jardim Central projetado por Robert Irwin. Entre as obras expostas está a pintura de Vincent Van Gogh Íris.

Projetado pelo arquiteto Richard Meier, o campus também abriga o Getty Research Institute (GRI), o Getty Conservation Institute, a Getty Foundation e o J. Paul Getty Trust. O projeto do Centro incluiu disposições especiais para tratar de questões relacionadas a terremotos e incêndios.


A vida pessoal de J. Paul Getty

Esse sucesso chamou a atenção, e essa atenção & # 8211 particularmente do tipo feminino & # 8211 e Getty casou-se três vezes no total apenas na década de 1920. Seu pai, de quem seu sucesso empresarial havia surgido, ficou muito angustiado com a natureza mulherenga de seu filho e deixou-o apenas uma fração de sua fortuna de $ 10 milhões após sua morte. Não que isso importasse & # 8211 Getty era um multimilionário por direito próprio naquela época, eclipsando até mesmo seu pai.

No entanto, pouco antes de sua morte em 1930, o pai de Getty, George, foi citado como tendo dito que a imprudência, inconstância e obsessão de seu filho por dinheiro acabariam por levar à destruição da empresa que eles construíram juntos. No entanto, investimentos astutos e habilidade comercial fizeram o jovem Getty florescer. Ele resistiu à tempestade financeira da Grande Depressão admiravelmente e adquiriu empresas de petróleo da Tidewater Oil para a Pacific Western Oil Corporation & # 8211, crescendo e expandindo seus negócios até abranger não apenas a América, mas o globo.


Império do Petróleo

Após a formatura, Getty voltou aos Estados Unidos e começou a trabalhar como pioneiro, comprando e vendendo arrendamentos de petróleo em Oklahoma. Em 1916, Getty ganhou seu primeiro milhão de dólares com um poço de sucesso e se juntou a seu pai para incorporar a Getty Oil Company. Com sua nova fortuna, ele se aposentou brevemente para uma vida de lazer em Los Angeles, antes de retornar ao negócio do petróleo em 1919. & # XA0

Ao longo da década de 1920, Getty e seu pai continuaram a acumular riqueza por meio de perfuração e corretagem de arrendamento. & # XA0Quando George faleceu em 1930, Getty recebeu uma herança de $ 500.000 e tornou-se presidente da empresa de petróleo de seu pai, embora sua mãe mantivesse o controle acionário.

Em sua nova posição, Getty decidiu reestruturar e expandir a empresa em um negócio autossuficiente & # x2014, que fazia de tudo, desde perfuração e refino até transporte e venda de petróleo. Ele começou a comprar e assumir o controle de outras empresas, incluindo & # xA0Pacific Western Oil, Skelly Oil e Tidewater Oil. & # XA0A seguir à Segunda Guerra Mundial, a Getty também assumiu o risco ao investir milhões na & quotZona neutra & quot entre Kuwait e a Arábia Saudita. Sua aposta deu certo em 1953, quando o petróleo foi descoberto e começou a fluir a uma taxa de 16 milhões de barris por ano.

Em 1957, Fortuna revista chamada Getty o homem mais rico do mundo. Dez anos depois, ele consolidou seus interesses comerciais na Getty Oil Company e, em meados da década de 1970, estimava-se que havia construído uma fortuna pessoal de US $ 2 a US $ 4 bilhões.


A Villa J. Paul Getty Construída, mas Nunca Viu

Ironicamente, J. Paul Getty nunca viu a Getty Villa. Ele morreu dois anos depois que seu museu foi aberto ao público em janeiro de 1974 em um novo edifício inspirado em uma antiga casa de luxo romana. Foi só depois da morte de Getty em junho de 1976 que ele voltou de sua propriedade na Inglaterra para seu "rancho" na costa do Pacífico: ele está enterrado lá na borda da propriedade em um terreno privado com vista para o oceano, ao lado de seu mais velho e filhos mais novos, George e Timothy, ambos os quais faleceram antes dele.

Após a renovação e reinstalação das galerias, o Getty Villa abre um novo capítulo em sua história. Embora Getty nunca tenha posto os olhos em sua criação, a história de como ele construiu a Villa e montou sua coleção permeia as galerias até hoje. Um conjunto de quartos renovados - Galerias 105 a 108 - compartilham essa história. Apresentando obras de arte antigas que Getty comprou junto com documentos de arquivo, as novas exibições colocam os objetos em seus contextos culturais e esclarecem a relação pessoal de Getty com seu museu e local de descanso final.

De uma casa de fazenda a uma vila antiga

Getty comprou a fazenda de 64 acres - que já foi parte do Rancho Boca de Santa Monica, uma concessão de terras mexicana de 6.656 acres do início do século XIX - logo após o fim da Segunda Guerra Mundial, pretendendo ser um retiro de fim de semana onde sua quinta esposa Theodora (“Teddy”) sabia andar a cavalo e exibir sua crescente coleção de arte.

The Ranch House antes da reforma, entre 1920 e 1945. The Getty Research Institute, Institutional Archives

Ele conhecia bem a área, pois já possuía uma pequena casa na praia nas proximidades de Santa Monica, a poucos passos do amplo complexo que seu amigo e colecionador rival William Randolph Hearst construíra para a atriz Marion Davies. (A propriedade de Davies agora é a Annenberg Community Beach House, enquanto a casa de praia de Getty foi substituída por um grande complexo de condomínio moderno, 270 Palisades Beach Road.)

Depois de comprar a propriedade, a Getty remodelou a modesta “Ranch House”, acrescentando um segundo andar e várias características de estilo espanhol. Embora Getty tenha deixado os Estados Unidos permanentemente em 1951, deixando Teddy e seu filho Timmy para trás, ele continuou a encher a Ranch House com obras de arte e, em 1954, ela a abriu ao público como Museu J. Paul Getty.

Grande galeria de antiguidades na Getty Ranch House entre 1957 e 1974. Na extremidade da galeria fica o Lansdowne Hercules. Instituto de Pesquisa Getty, Arquivos Institucionais

Com o tempo, ele aumentou o prédio para acomodar sua coleção crescente e, no final da década de 1960, foi necessário expandir ainda mais. Os arquitetos de Getty elaboraram várias propostas em uma variedade de estilos - espanhol, europeu e moderno - todas as quais ele rejeitou. Por fim, ele decidiu construir uma réplica da antiga Villa dei Papiri em Herculaeneum, que foi enterrada na erupção do Monte Vesúvio em 79 DC.

Encontro de História Antiga e Moderna

Várias galerias recém-reinstaladas no primeiro andar da Getty Villa apresentam objetos que falam tanto de suas histórias antigas quanto modernas. A Galeria 105, conhecida como Salão dos Mármores Coloridos, é dominada por uma estátua de mármore de Vênus. Getty admitiu prontamente que “gostava da companhia de mulheres” e, quando a Villa foi inaugurada em 1974, uma galeria inteira foi dedicada a imagens da deusa do amor.

Ao planejar a nova exibição, decidimos, portanto, que a primeira das duas vitrines embutidas nesta galeria se concentraria nas representações de Vênus em várias mídias: terracota, mármore e bronze. O menor objeto na caixa, uma cabeça de bronze finamente trabalhada da deusa, uma vez anexada a uma figura maior, é notável pela preservação de um brinco de ouro com uma única pérola. As pérolas eram muito apreciadas na Antiguidade, como são hoje, e alcançavam preços elevados.

O maior objeto na caixa, um grupo de terracota de um Mulher reclinada no sofá com cupidos, é ainda mais intrigante. É a primeira “antiguidade” comprada pela Getty. Em 1939, quando ele estava em Roma cortejando Teddy, que estava estudando para ser um cantor de ópera, ele fez uma série de lances ausentes em itens que estavam sendo vendidos de uma coleção aristocrática em Londres. Ele estava particularmente interessado nas tapeçarias, mas na mesma página do catálogo do leilão como alguns dos objetos que ele mais desejava estava a listagem desta terracota. Foi associado a outros semelhantes encontrados no sítio grego de Tanagra no final do século XIX. Essas obras de arte eram populares entre os colecionadores pela vivacidade de suas composições e pelos insights que pareciam fornecer sobre a vida cotidiana no mundo antigo.

Estatueta de uma mulher reclinada em um sofá com cupidos, 1875-1890, provavelmente feito na Grécia. Terracota, pigmento e ouro, 7 5/16 × 10 5/8 × 4 5/16 pol. The J. Paul Getty Museum, 78.AK.38. Imagem digital cortesia do Programa de Conteúdo Aberto da Getty

Detalhe da cópia pessoal de J. Paul Getty's do catálogo de itens do leilão da Sotheby's em Cam House, Londres. Instituto de Pesquisa Getty

Como em todas as suas compras, Getty era astuto, buscando obter o melhor preço possível. Mas seu catálogo de leilão anotado, redescoberto nas coleções da biblioteca do Getty Research Institute pela ex-assistente curatorial do Getty Museum, Laure Marest-Caffey (agora Cornelius e Emily Vermeule Curadora de Arte Grega e Romana no Museu de Belas Artes de Boston), revela que O próprio Getty tinha dúvidas sobre sua autenticidade. Na margem abaixo da entrada, ele escreveu, "moderno?" A terracota pertencia a uma venerável coleção inglesa, então Getty estava disposto a arriscar. Seu lance baixo de £ 10 prevaleceu, mas sua primeira antiguidade acabou não sendo uma antiguidade.

História em exibição

Esta história e outras sobre J. Paul Getty e o crescimento de suas coleções são contadas em uma exposição inovadora na Galeria 107. Com base na instalação em andamento J. Paul Getty: Life and Legacy no Getty Center, este programa interativo, instalado ao lado de algumas das esculturas antigas favoritas de Getty, permite que os visitantes explorem centenas de fotografias, mapas, gráficos e outros recursos relacionados à família de Getty, negócios, viagens, desenvolvimento de suas coleções, decisão de construir a moradia, e legado duradouro.

The Lansdowne Hercules, cerca de 125 d.C., Romano. Mármore, 76 3/16 × 30 1/2 × 28 3/4 pol. O Museu J. Paul Getty, 70.AA.109. Retratado no Templo de Hércules (Galeria 108).

A Galeria 108, conhecida como Templo de Hércules, por sua vez, parece muito como antes da reinstalação, mas agora apresenta iluminação aprimorada e um isolador sísmico menor sob a famosa estátua de Lansdowne Hércules. Essa mudança permite que mais do esplêndido piso de mármore policromado mostre que é uma réplica de uma das primeiras descobertas de escavadores que descobriram a Villa dei Papiri em 1750. A antiga villa é o foco de um cubículo recém-instalado próximo ao Átrio , Galeria 101C, e será o tema de uma exposição internacional por empréstimo no verão de 2019.

Embora Getty nunca tenha visitado sua Villa, seu legado continua a durar. De suas escolhas arquitetônicas aos objetos que colecionou, sua história do século XX se confunde com a dos tempos antigos, rendendo histórias que nos cativam até hoje.


Um tour virtual pelo Museu Getty

& # 8220O Grande Canal de Veneza do Palazzo Flangini ao Campo San Marcuola & # 8221 por Canaletto

& # 8220O Grande Canal de Veneza do Palazzo Flangini ao Campo San Marcuola & # 8221 de Canaletto foi pintado em 1738.

Esta composição é chamada de veduta (italiano para & # 8220view & # 8221), significando uma pintura altamente detalhada, geralmente em grande escala, de uma paisagem urbana ou alguma outra vista.

Esta pintura de vendute retrata a parte superior do Grande Canal em Veneza, Itália, perto da entrada do Canal Cannaregio. As pinturas de Venduta eram populares entre os turistas ricos em Veneza em meados do século XVIII.

& # 8220Roma moderna & # 8211 Campo Vaccino & # 8221 por J.M.W. torneiro

& # 8220Roma moderna - Campo Vaccino & # 8221 por J.M.W. Turner é uma visão da paisagem do Fórum Romano não escavado, ainda chamado de Campo Vaccino, que significa & # 8220Cow Pasture & # 8221, cintilando na luz nebulosa.

Dez anos após sua última viagem a Roma, Turner imaginou Roma de sua memória. Igrejas e monumentos antigos dentro e ao redor do Fórum Romano estão se dissolvendo em cores brilhantes.

A luz da lua está nascendo à esquerda. O sol está se pondo atrás do Monte Capitolino à direita.

& # 8220Irises & # 8221 por Vincent van Gogh

& # 8220Irises & # 8221 é uma das várias pinturas de & # 8216Irises & # 8217 de Vincent van Gogh e uma de uma série de pinturas que ele pintou no asilo em Saint-Rémy, França, no último ano antes de sua morte.

Em 1889, após vários episódios de automutilação e hospitalização, Van Gogh decidiu entrar em um asilo. Lá, no último ano antes de sua morte, ele criou mais de 120 pinturas.

Pouco depois de entrar no asilo, Van Gogh começou Irises, trabalhando da natureza no jardim do asilo & # 8217s. Ele chamou a pintura de & # 8220 de pára-raios da minha doença & # 8221 porque sentiu que poderia evitar a loucura continuando a pintar.

& # 8220Depois do banho, Woman Drying Her Back & # 8221 por Edgar Degas

& # 8220Depois do banho, Mulher a secar as costas & # 8221 de Edgar Degas é uma gravura de uma banhista ajoelhada numa cadeira coberta com toalhas enquanto arqueia as costas sobre o encosto da cadeira como se fosse pegar algo com a mão direita .

Esta gravura faz parte de uma série de fotografias, gravuras, desenhos, esboços preliminares em pastéis e óleos de Degas desse período que retratam mulheres em processo de banho.

Degas costumava usar esboços e fotografia como etapa preliminar para estudar a luz e a composição de suas pinturas. Este trabalho faz parte de uma série que retrata mulheres, como neste exemplo, em posições estranhas e não naturais.

Degas disse que pretendia criar uma sensação no visualizador & # 8220 como se você olhasse pelo buraco de uma fechadura. & # 8221

& # 8220Pilhas de calor, efeito neve, manhã & # 8221 por Claude Monet

& # 8220Pilhas de trigo, efeito de neve, manhã & # 8221 de Claude Monet faz parte de uma série de pilhas de trigo colhido. A série consiste em vinte e cinco telas, que Monet começou perto do final do verão de 1890, e embora Monet também tenha produzido pinturas anteriores usando o mesmo tema de pilha.

A série impressionista é famosa por como Monet repetiu o mesmo tema para mostrar as diferentes luzes e atmosfera em diferentes horas do dia, ao longo das estações e em muitos tipos de clima.

A série Monet & # 8217s Haystacks é uma das primeiras a confiar na repetição de um assunto para ilustrar uma diferença sutil na percepção das cores nas variações de horários, estações e clima.

& # 8220Retrato de um alabardeiro & # 8221 de Pontormo

& # 8220Retrato de um alabardeiro & # 8221 de Pontormo retrata um jovem parado diante de uma muralha, segurando uma alabarda.

A alabarda é uma arma de pólo de duas mãos que teve uso proeminente durante os séculos 14 e 15, e as tropas que usaram a arma foram chamadas de alabardeiros.

A identidade da pessoa não é absoluta, entretanto, os registros florentinos observam que durante o cerco de Florença em 1528, o artista Pontormo pintou um retrato de um jovem nobre chamado Francesco Guardi como um soldado.

& # 8220Spring & # 8221 por Édouard Manet

Spring de Édouard Manet retrata a atriz parisiense Jeanne DeMarsy em um vestido floral com sombrinha e gorro contra um fundo de folhagem exuberante e céu azul, como a encarnação da primavera.

Ela é retratada com postura e olhando para a frente, uma imagem de distanciamento, embora pareça totalmente consciente de nosso olhar.

Esta pintura foi a primeira de um planejado quarteto de obras alegóricas usando mulheres parisienses chiques para representar as quatro estações. A ideia era produzir uma série de temporadas personificadas pelos ideais contemporâneos de mulher, moda e beleza.

A série nunca foi concluída e Manet morreu um ano depois de completar apenas o segundo da série, Autumn.

Kouros grego (Museu Getty)

Este Kouros grego no Museu Getty é uma estátua de mármore em tamanho natural de um jovem nu sem barba em uma postura avançada.

O termo moderno kouros (plural kouroi) é dado a esculturas gregas antigas que aparecem pela primeira vez no período arcaico na Grécia Antiga e representam jovens do sexo masculino nus. Em grego antigo, kouros significa & # 8220 jovem, menino, especialmente de posição nobre. & # 8221

Essas estátuas são encontradas em todo o mundo de língua grega. A maior parte desse tipo foi encontrada nos santuários de Apolo.

& # 8220Spring & # 8221 por Lawrence Alma-Tadema

& # 8220Spring & # 8221 de Lawrence Alma-Tadema retrata o festival de Cerealia em uma rua clássica com terraço de mármore romano. Na antiga religião romana, a Cerealia era o principal festival celebrado pela deusa dos grãos Ceres.

Foi realizada durante sete dias, de meados ao final de abril, e esta pintura mostra a procissão de mulheres e crianças descendo escadas de mármore carregando e vestindo flores de cores vivas.

Espectadores entusiasmados preenchem todos os pontos de vista dos edifícios clássicos romanos.

A curiosidade de Tadema sobre o mundo antigo da Grécia e Roma era insaciável, e seu conhecimento foi incorporado a essa pintura por meio de detalhes arquitetônicos, vestidos, esculturas e ornamentos baseados em originais romanos.

& # 8220Portrait of a Man & # 8221 por Paolo Veronese

& # 8220Portrait of a Man & # 8221 de Paolo Veronese retrata um homem apoiado na base de uma estrutura com colunas. Num nicho entre as colunas encontra-se uma escultura em mármore de uma figura drapeada, da qual apenas a parte inferior é visível.

A identidade desse homem é um mistério, entretanto, as pistas na pintura podem se referir à profissão do sujeito, talvez a de um escultor ou arquiteto.

& # 8220Euclid & # 8217 por Jusepe de Ribera

Euclides, de Jusepe de Ribera, representa o & # 8220 pai da geometria & # 8221 emergindo das sombras atrás de uma mesa. Apresentado como um estudioso solene exibindo seu livro bem gasto com várias figuras geométricas e caracteres pseudo-gregos.

De Ribera concentrou todas as suas habilidades nos detalhes faciais do homem, desde a barba despenteada até os vincos da testa e as dobras das pálpebras acima dos olhos escuros.

Retratado como um homem com roupas esfarrapadas e dedos enegrecidos e sujos para enfatizar a devoção de Euclides às atividades intelectuais, em vez de materiais.

& # 8220Venus e Adonis & # 8221 por Ticiano

& # 8220Venus and Adonis & # 8221 de Ticiano retrata Vênus tentando impedir seu amante Adônis de sair para caçar. Seus cães puxam as coleiras, ecoando sua impaciência, conforme detalhado em Ovídio & # 8217s Metamorfoses.

Cupido dorme no fundo, um símbolo da resistência de Adônis & # 8217s ao abraço de Vênus & # 8217s. A história relata como, certa manhã, quando Vênus parte em sua carruagem celeste, os cães de Adônis acordam um javali, que se vira contra ele.

Vênus ouve os gemidos de Adônis & # 8217s, pula de sua carruagem e o encontra morrendo. Do sangue de seu amante & # 8217s, ela cria uma flor frágil cujas pétalas são espalhadas ao vento, chamada anêmona & # 8217 windflower & # 8217 em grego.

& # 8220Retrato da Marquesa de Miramon & # 8221 por James Tissot

& # 8220Retrato da Marquesa de Miramon & # 8221 por James Tissot retrata a Marquesa usando um penhoar rosa com babados. Em volta do pescoço, está um lenço de renda preta e uma cruz de prata.

Atrás dela está uma tela japonesa da moda, representando guindastes em um fundo dourado, e sobre a lareira estão várias cerâmicas japonesas.

O banquinho de Luís XVI e o busto de terracota sugerem seu status aristocrático. Esta pintura foi exibida na Feira Mundial de Paris. Thérèse Feuillant (1836 - 1912) herdou uma fortuna de seu pai e, em 1860, casou-se com Réné de Cassagne de Beaufort, Marquês de Miramon.

& # 8220The Rue Mosnier decorada com bandeiras & # 8221 por Édouard Manet

& # 8220A Rue Mosnier decorada com bandeiras & # 8221 por Édouard Manet retrata uma rua parisiense, decorada com bandeiras francesas para o primeiro feriado nacional, que ocorreu em 30 de junho de 1878. Era chamada de & # 8220Fête de la Paix, & # 8221 ou em inglês, & # 8220Celebration of Peace. & # 8221

A Rue Mosnier, que agora é chamada de Rue de Berne, pode ser vista do estúdio Manet & # 8217s na 4 Rue de Saint-Pétersbourg. Esta tela mostra a vista de sua janela do segundo andar, com bandeiras tricolores penduradas nos prédios ao longo da estrada.

Manet capturou a tarde do feriado na metade superior da composição com uma harmonia patriótica dos vermelhos, brancos e azuis da bandeira francesa que tremulava ao longo da rua.

Na metade inferior da composição está um homem de uma perna só de muletas, possivelmente um veterano ferido na Guerra Franco-Prussiana. Além disso, na parte inferior está um homem carregando uma escada e, à esquerda, uma cerca que impede os escombros das obras de construção.

A rua urbana foi assunto de interesse dos pintores impressionistas e modernistas. Manet refletiu a transformação e o crescimento da Era Industrial e como isso impactou a sociedade.


As origens antigas da coroa da flor

A coroa de flores é hoje um acessório da moda sinônimo de foliões do Coachella e noivas boho, mas não é novo: usar folhas e flores como adorno de cabeça tem uma rica história que remonta ao antigo mundo clássico.

Desde a antiguidade, a forma circular ou em ferradura da coroa tem sido um símbolo de glória, poder e eternidade. Na Grécia e na Roma antigas, muitas coroas eram feitas de lã e folhagens, como folhas de murta e hera, e eram adornadas com flores diferentes, que mantinham várias associações ao longo do tempo.

Deuses e deusas antigos eram frequentemente representados na arte e na literatura usando plantas específicas dedicadas a eles. Em Ovídio Metamorfoses, a bela ninfa Daphne consegue escapar de seu perseguidor, o deus Apolo, transformando-se em um loureiro. Apollo corta um galho da árvore e exclama: “Embora você não possa ser minha esposa, você será pelo menos minha árvore. Eu sempre a usarei no meu cabelo, na minha aljava, ó Laurel. (557–559). Ele mantém sua palavra e, como resultado, é frequentemente retratado usando uma coroa de louros como um símbolo de seu amor por Daphne. Apolo é o deus dos poetas e escritores, e o termo poeta laureado que usamos hoje vem desse mito.

Folhas de álamo branco foram associadas a Hércules, que, segundo a tradição, importou a árvore do noroeste da Grécia para Olímpia.

Hércules usando uma coroa de flores. Estátua de Hércules, 100–199 DC, romana. Mármore com policromia, 46 pol. De altura. O Museu J. Paul Getty, 73.AA.43.1. Imagem digital cortesia do Programa de Conteúdo Aberto da Getty

Os antigos gregos introduziram a coroa como uma recompensa honorária para os vencedores em competições atléticas, militares, poéticas e musicais. Por exemplo, os Jogos Pítios eram realizados em Delfos a cada quatro anos em homenagem a Apolo, e os vencedores tradicionalmente recebiam uma coroa de louro. A árvore de louro é nativa da região do Mediterrâneo e se manteve como um importante símbolo de vitória, conquista e status.

Coroas de oliva também foram concedidas aos vencedores de competições atléticas, como o jovem nu mostrado abaixo. Oliveiras selvagens cresciam em Olympia, onde os Jogos Olímpicos eram realizados, e grinaldas de oliveiras eram dadas como prêmios aos vencedores desses jogos. Ele pode ter sido um corredor, lutador ou levantador de peso, que está se coroando ou removendo a coroa para dedicá-la aos deuses como um sinal de piedade.

Um jovem coroando-se com uma coroa de azeitonas. Estátua de um jovem vitorioso, 300–100 a.C., grego, bronze com mamilos de cobre incrustados, 59 5/8 pol. De altura. O Museu J. Paul Getty, 77.AB.30. Imagem digital cortesia do Programa de Conteúdo Aberto da Getty

O simbolismo da coroa de louros sobrevive até hoje. Teve destaque no design de medalhas das Olimpíadas Rio 2016, por exemplo.

Os antigos romanos continuaram a tradição da coroa como uma recompensa pelo triunfo. Eles vestiram seus líderes e militares com coroas feitas de louro, carvalho ou murta. A coroa da grama ou corona obsidionalis foi a maior honra militar, concedida por um exército sitiado ao general que os libertou. Era feito de grama, ervas daninhas e flores silvestres reunidas no local onde o exército havia sido atacado.

O perfil de um homem usando uma coroa de louros, o que indicava que ele provavelmente era de alto escalão militar. Cameo, de 1700 a 1800, europeu. O Museu J. Paul Getty, 83.AL.257.15, Herança de Eli Djeddah. Imagem digital cortesia do Programa de Conteúdo Aberto da Getty

As coroas de flores também eram usadas para festas e celebrações, assim como são hoje em dia, eram costumeiras em eventos como sacrifícios aos deuses e festas. Em representações de homens gregos em simpósios (festas com bebidas aristocráticas), frequentemente vemos figuras usando coroas de flores. Eles acreditavam que amarrar um filé bem apertado em torno de suas cabeças poderia aliviar sua embriaguez - embora os frequentadores dos festivais de hoje possam discordar. Estas eram originalmente feitas de lã, mas posteriormente decoradas com flores e pétalas de rosas, violetas, murta e salsa.

Taça de vinho com um jovem e um homem, 450–440 a.C., atribuída ao Pintor de Euaion. Terracota, 15 9/16 pol. Diâm. Museu J. Paul Getty, 86.AE.682. Imagem digital cortesia do Programa de Conteúdo Aberto da Getty

Em Roma, o festival Floralia foi realizado em homenagem a Flora, deusa das flores, da vegetação e da primavera - portanto, não é surpresa que um capacete feito de pétalas de flores e videiras entrelaçadas fosse o acessório indispensável. Nesta representação de uma estátua de Flora, ela é retratada segurando sua coroa de flores.

Estatueta Farnese Flora, 1871, William Chaffers. Woodburytype, 4 3/4 × 3 11/16 pol. The J. Paul Getty Museum, 84.XB.935.23.3.83. Imagem digital cortesia do Programa de Conteúdo Aberto da Getty

Na Europa, esse festival religioso foi posteriormente celebrado como o dia secular de maio. Na pintura de Alma-Tadema Primavera, a artista representa esta festa e a tradição de enviar crianças para colher flores no primeiro dia de maio. Uma procissão de mulheres e crianças usam coroas florais coloridas e carregam cestas de flores. Alma-Tadema era obcecado pelo mundo antigo e chegou a definir essa celebração vitoriana em uma Roma antiga imaginária.

Uma procissão de mulheres e crianças usando coroas de flores coloridas. Primavera, 1894, Lawrence Alma-Tadema. Óleo sobre tela, 70 1/4 × 31 5/8 pol. The J. Paul Getty Museum, 72.PA.3. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Although the flower crown was popular in the ancient world, as Christianity spread it fell out of favor due to its association with pagan festivals. But it made a comeback in Renaissance art, as artists and scholars looked again to the classical past for inspiration.

In modern times we often see flower crowns used as a reminder of the ancient Mediterranean world. As just one example, German photographer Baron Wilhelm von Gloeden used the flower crowns in portraits he created of in Sicily, as a symbol of his subjects’ ancient heritage.

A boy wearing a lily wreath. Boy with Lillies, about 1890–1914, Baron Wilhelm von Gloeden. Toned gelatin silver print, 8 3/8 × 6 1/4 in. The J. Paul Getty Museum, 84.XM.631.12. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Even the bridal crown, it turns out, has ancient roots. The Roman bride would wear a crown made of verbena that she herself had picked. In modern times, Queen Victoria made the practice fashionable by wearing a crown of orange blossoms in her hair on her wedding day to prince Albert on February 10, 1840. It was also during the Victorian era that interest in “floriography” rose, with women often depicted wearing flowers to communicate a personal attribute. The orange blossom, for example, is a symbol of chastity.

Portrait of a Bride with Orange Blossoms, 1907 – 1943, Louis Fleckenstein. Gelatin silver print, 9 7/16 x 7 in. The J. Paul Getty Museum, 85.XM.28.275. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program.

Today the trend of wearable fronds and flowers continues in a variety of ways—as a symbol of victory, celebration, love, romance, or femininity, whether you’re wearing a wreath to a festival or donning a digital version on Snapchat.

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Leitura Adicional

A few good sources for delving deeper into the historical roots of the flower crown:


Ewan McGregor, 50, welcomes secret baby boy - and daughter lets slip the name

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Press Release

J. PAUL GETTY MUSEUM ACQUIRES MAJOR 19 th -CENTURY LANDSCAPE PAINTING

BY ITALIAN ARTIST GIOVANNI SEGANTINI

The lush mountain scene was commissioned for American collector Jacob Stern

and was on public view in San Francisco for more than 70 years

Spring in the Alps, 1897
By Giovanni Segantini

On view at the Getty Museum, Getty Center, Los Angeles beginning February 12

LOS ANGELES – The J. Paul Getty Museum announced today the acquisition of Spring in the Alps, 1897, by Giovanni Segantini (Italian, 1858-1899). Originally painted for Jacob Stern, a San Francisco collector and director of Levi Strauss & Co, the painting has a long connection to California. It was on continuous loan to Legion of Honor in San Francisco from 1928 until it was sold by Stern’s descendants in 1999.

“Giovanni Segantini was at the peak of his career when he created this luminous panoramic scene,” said Timothy Potts, director of the Getty Museum. “Featuring his characteristic thick brushstrokes and brilliant color palette—which includes flecks of gold leaf—the painting is among the most extraordinary and captivating landscapes produced in Europe at the end of the 19th century. It will resonate powerfully alongside our great Impressionist and Post-Impressionist works from France and paintings by northern European artists of the era. Significantly, with this acquisition, Spring in the Alps finds a permanent public home in California, its original destination, and we hope museum-goers from San Francisco, where it was on view for more than 70 years, will visit the painting at the Getty when they are in Los Angeles.”

At more than four by seven feet, Spring in the Alps is a monumental, sweeping depiction of an alpine landscape near the village of Soglio in Switzerland, with its recognizable church tower visible on the right side of the picture. The view is of an expansive plateau and valley ringed by glaciers and majestic snow-capped mountains. In the middle of the composition a farm woman dressed in a blue and red peasant costume characteristic of eastern Switzerland leads two large horses past a watering trough. They are coming from a freshly plowed field where a sower scatters seeds and a black and white dog stands guard. The scene is sunny and colorful, emphasizing a glorious vista with a brilliant blue sky and ribbons of clouds.

Segantini painted the sizeable canvas in the open air, with additional work completed in the studio. He took liberties with the topography to suit his composition, adjusting the relative scale of the mountains, the perspective of the valley, and the position of the town. He created the vibrant color scheme and brilliant effects of light following the principles of Divisionism, the practice of juxtaposing pure local colors in the belief that the hues mix optically in the eye of the viewer, creating especially luminous effects. This pseudo-scientific movement in painting was first launched in France in the 1880s by George Seurat and Paul Signac, where it was dubbed “Neo-Impressionism.” The movement was subsequently adopted by Italian painters, with Segantini becoming a principal exponent. In contrast to Seurat’s pointillist brushstrokes, Segantini employed long, thin strokes of contrasting color. The rich impasto and the tactile, almost woven, quality of the painted surface, marvelously capture the crisp transparency of the atmosphere, the harshness of the rocks, the thickness of the grass, and the roughness of the skin of the animals.

Spring in the Alps is a joyous hymn to the cycle of life and the reawakening of nature in spring after a long, hard winter,” said Davide Gasparotto, senior curator of paintings at the Getty. “It is an extraordinarily accomplished work where symbolism and naturalism are inextricably intertwined. Segantini himself counted it among his absolute masterpieces. Panoramic in scale and astonishingly luminous, Spring in the Alps is one of the greatest paintings of the Italian Ottocento in America, an iconic work that expands our ability to tell the story of 19th-century European painting.”

Spring in the Alps was commissioned by the American painter Toby E. Rosenthal (1848-1917), who resided in Munich, for San Francisco businessman and collector Jacob Stern (1851-1927), whose father, David Stern, co-founded Levi Strauss & Co. Segantini exhibited the picture at the 7th Munich Secession in 1897 and then took the painting back to his studio in Switzerland where he made further adjustments. In early 1899 the picture was sent to San Francisco to be the centerpiece of Stern’s collection. It was so well known even then, that the painting’s rescue from the 1906 earthquake and fire was reported in the national press. Upon Stern’s death in 1927, and in accordance with his wishes, Spring in the Alps was loaned by his heirs to the California Palace of the Legion of Honor. There it stayed on public view for more than 70 years. In 1999 the estate of Stern’s heir sold the picture at auction in New York.

Born in Arco (Trento) in 1858, Giovanni Segantini counts among the most important Italian artists of his generation. He was internationally famous for his dreamy Alpine landscapes, which combine elements of Jean-François Millet’s reverent naturalism with Georges Seurat’s dappled Divisionist technique and the allegorical subjectivity of the work of contemporary Symbolists, from Gustav Klimt to Paul Gauguin. Segantini&rsquos work represents the transition from traditional nineteenth-century art to the changing styles and interests of the twentieth century.

Orphaned as a boy, Segantini was apprenticed to a photographer in Milan, where in 1873 he began attending night classes at the Brera’s Academy of Fine Arts. In the early 1880s, on the advice of the painter-dealer Vittore Grubicy de Dragon, he experimented with plein-air painting during an extended visit to the Brianza region. Marketed by Grubicy, with whom Segantini signed an exclusive contract in 1883, the resulting landscapes attracted international attention and quickly made their author’s fortune. Segantini settled in the picturesque Swiss valley of the Engadine, where he painted views of the surrounding mountains for the rest of his career, often carting his enormous canvases out into the elements to work directly from nature. Despite his somewhat remote location, Segantini kept abreast of the contemporary art scene, maintaining a lively correspondence with Gustav Klimt, Max Liebermann, and others, while his work was exhibited in London, Amsterdam, Paris, and Munich.

In 1897, Segantini was commissioned by a group of local hotels to build a huge panorama of the Engadin valley to be shown in a specially built round hall at the 1900 Exposition Universelle in Paris. Before it was completed, however, the project had to be scaled down for financial reasons. Segantini redesigned the concept into a large triptych known as Life, Nature, and Death (Museo Segantini, St. Moritz), which is now his most famous work. Eager to finish the third part of his large triptych, Nature, Segantini returned in 1899 to the mountains near Schafberg. The pace of his work, coupled with the high altitude, affected his health, and in mid-September he became ill with acute peritonitis. Two weeks later he died at the age of 41. Two years later the largest Segantini retrospective to date took place in Vienna. In 1908, the Museo Segantini was established in St. Moritz, Switzerland.

Spring in the Alps joins another important work by Segantini in the Getty Museum’s collection, Study for “La Vita” (1897), a large pastel that parallels the painting’s composition and is dedicated to his friend Toby Rosenthal, who facilitated the commission of Spring in the Alps from Jacob Stern. In excellent condition, Spring in the Alps comes to the Getty in the elaborate frame that the artist originally designed for it. It will be put on exhibition in the Museum’s West Pavilion on February 12th, alongside other works of art from 19th century Europe.


The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

Museu J. Paul Getty collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum’s mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


Press Release

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs will be exhibited Alongside Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium

LOS ANGELES – From 1973 to 1984, Samuel J. Wagstaff Jr. (American, 1921-1987) assembled one of the most important private collections of photographs in the world. With more than 26,000 objects, the collection spans the experimental beginnings of photography in the nineteenth-century to the works of artists active in the 1970s and 1980s. In 1984 Wagstaff sold his collection to the J. Paul Getty Museum, and thirty-two years later it remains the Museum’s single largest holding of art from one source. The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs, on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center, features a selection of works from Wagstaff’s collection, offering a look at how his broad and idiosyncratic tastes helped to expand the photographic canon.

“The acquisition of Samuel Wagstaff’s collection of photographs in 1984 was a landmark event in the Museum’s short history,” explains Timothy Potts, director of the J. Paul Getty Museum. “In one move, the Getty became the custodian of one of the most important private collections of photographs in the world, thus setting the stage for the Museum to become, as it since has, one of the preeminent public photographic collections of the world. Wagstaff’s eye for quality and voracious appetite for collecting, ranging from Fox Talbot, Nadar and Man Ray to Lange, Arbus and Hujar, set him apart from his peers and fueled his reputation as a connoisseur and taste-maker in photography as a art form—a status that was still not yet universally acknowledged. This exhibition is the first to give Wagstaff’s critical role in photographic history its due."


Mrs. Herbert Duckworth, 1867. Julia Margaret Cameron (British, born India, 1815 - 1879). Albumen silver print. 34 x 24.9 cm (13 3/8 x 9 13/16 in.) The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Born into a socially prominent New York City family, Wagstaff attended Yale University and the Institute of Fine Arts at New York University before working as a curator at the Wadsworth Atheneum in Hartford, Connecticut, and the Detroit Institute of the Arts. While he was a champion of contemporary art and organized numerous innovative exhibitions, it was not until he met the artist Robert Mapplethorpe (American, 1946-1989) that he developed an interest in collecting photographs. The two met in 1972 and became lovers, with Wagstaff supporting Mapplethorpe’s fledging career and Mapplethorpe helping Wagstaff understand the value of photography as art. Within a few short years, Wagstaff became a preeminent collector in a still young market.

Wagstaff promoted photography as an art form by exhibiting, publishing, and lecturing on his collection. In 1978 he organized the exhibition Photographs from the Collection of Sam Wagstaff, which opened at the Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C. before beginning a seventeen-venue tour. His reputation as an arbiter of taste provided an impetus for museums to collect photographs and for scholars to devote their studies to photography.

“In addition to frequenting auctions in New York, London, and Paris, Wagstaff would often troll secondhand shops and flea markets during his travels, and come back with shopping bags full of prints,” says Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum and curator of the exhibition. “Wagstaff had a knack for discovering photographs by unknown makers that were deserving of attention and was bold enough to hang these works next to those by the established masters.” The Wagstaff Collection is known for its quality and breadth, and the exhibition will include photographs by the medium’s pioneers, including William Henry Fox Talbot, Hill & Adamson, Gustave Le Gray, Nadar, and Julia Margaret Cameron. Wagstaff also had an eye for early twentieth-century photography, purchasing prints by Adolf de Meyer, Edward Steichen, Man Ray, August Sander, Edward Weston, and Dorothea Lange. Contemporary photographs are represented in the collection with works by William Eggleston, Diane Arbus, William Garnett, Larry Clark, Jo Ann Callis, and Peter Hujar.

After Wagstaff sold his collection of photographs to the Getty Museum in 1984, he turned to nineteenth-century American silver, and quickly amassed one of the finest collections in the field. On view in the exhibition is a Gorham sterling ice bowl and spoon fashioned in the shape of blocks of ice with cast icicles and polar bear handles. Wagstaff pestered Mapplethorpe to photograph the ice bowl, so it could be reproduced in a catalogue for an exhibition of Wagstaff’s collection of silver at the New York Historical society (that photograph is on view in Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium) Sadly, the catalogue was never published and Wagstaff died from AIDS-related complications, just two months before the exhibition opened.

“The story of Wagstaff’s late-in-life interest in silver underscores the core values that made him successful as a collector of photographs,” adds Martineau. “He began with a medium that he thought was remarkable and undervalued, and put all of his resources into building a world-class collection.”

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs is on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center. The exhibition is curated by Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum. The exhibition will be displayed in galleries adjacent to Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium, also on view March 15-July 31, 2015 at the Getty and March 20-July 31, 2015 at the Los Angeles County Museum of Art (LACMA). The Wagstaff exhibition will then travel to the Wadsworth Atheneum September 10-December 11, 2016 and the Portland Art Museum in Maine February 1-April 30, 2017.

The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

Museu J. Paul Getty collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum&rsquos mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


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